domingo, 15 de diciembre de 2013

Los Padrinos


Hablemos de la pequeña gran historia de Los Padrinos! Preséntense ustedes, por favor. ¿De dónde vienen? ¿A dónde van? ¿Dónde se quedó el Mágicos?
Mara: Mara Pop!, amante de los gatos, los colores primarios y la moda 60's... ¡Ah!, y bajista de piernas lindas de un trío pop explosivo.

Esteban: Esteban, para los amigos. Guitarra, voz y cualquier cosa a la que pueda sacársele un sonido. Venimos de una ciudad inconsciente y cruel, pero muy querida; el grupo se formó casi por accidente y por amistad. Realmente no hay historias tan complicadas ni anuncios en el periódico de "se busca bajista con piernas lindas" o "baterista que parezca un muppet".

Daniel: Daniel, baterista muppet. ¿De dónde venimos? Pues creo que la respuesta más adecuada sería que fue un chiste local que se hizo demasiado grande, todo iniciando como un proyecto medio en broma que poco a poco comenzó a tomar forma hasta llegar a lo que sea que somos ahora.

Esteban: Y lo de "Mágicos" se fue con el tiempo. Y para que nos ubicaran, porque los dibujos animados de Butch Hartman son muy populares por acá.

Daniel: Creo que quedó con la perspectiva de una demanda por parte de Nickelodeon que nos podría costar los pocos centavos que llevamos en la bolsa... aunque hubiera sido un buen método publicitario.

Los tres: ¡Y vamos a lo más alto del pop! ¿No? ¿Demasiado trillado?

Daniel: Hasta lo más alto que se pueda llegar.

¡El CD-EP El Hombre Globo Lo Sabrá con Acimut Records me tiene realmente emocionado! Tenéis que estar contentos, ¿no? Cuéntenme un poco...

Mara: Sí, muchísimo, aunque aún a veces me parece extraño que ya exista...

Esteban: ¡Muy contentos! Y todo esto con Acimut Records (que es el sello de un arqueólogo desquiciado de la ciudad de Colima que ama la música y lo demuestra editando nuestro disco) también fue un afortunado accidente. Yo compré un single 7" en línea y el vendedor era Carlos "Acimut" Salgado. ¿Y quieren saber qué single era? ¡The Smiths! ¡Sheila Take A Bow! Ni siquiera soy fan, pero me gusta mucho el lado B...

Daniel: Realmente sí, muy contentos, ya que fue algo que nos llegó sin siquiera esperarlo, cuando apenas nos poníamos como meta afianzar un poco más lo que ya teníamos. De repente llega lo de Acimut para poder inmortalizar en un disco lo que en ese momento había sido un proyecto que apenas nacía, el cual nos obligó un poco a madurar más rápido ese asunto de ya vernos como una banda en forma - refiriéndome al hecho de ya tener algo plasmado más allá de los ocasionales gigs. Fue una larga espera, pero valió la pena.

¿En qué espejo os habéis mirado?

Daniel: Creo que en varios de una casa de la risa, donde a cada paso te reflejas de una manera diferente y cómica, sin perder la sustancia que es el que se refleja en ese espejo. Nuestros estilos son variados pero no perdemos la fidelidad a lo que realmente seguimos, que es la música.

¡Las letras son fantásticas! ¿Cómo es el proceso de escritura y cómo se hace música?

Mara: En los ensayos se van puliendo las melodías, pero para las letras Esteban se quema sus largas pestañas. Je, je. A veces trabajamos con ideas que Daniel y yo tenemos, pero él es más atinado para eso.

Esteban: No tenemos una técnica o fórmula para escribir. Como dice Mara, va saliendo... A veces primero sale la letra, como en Adicto al popcorn, que comenzó como un chiste (una love song cinéfila). Otras como Los Brincos las construimos sobre una secuencia de acordes que repetíamos hasta el cansancio hasta que algo salió... Y están las que nos salen de la manga, increíblemente, como Comic Strip o una inédita que por lo pronto llamamos Stoned! que en diez minutos estaban casi listas.

Daniel: Pues en el 99.9999% las letras hasta el momento han sido escritas por Esteban. Con la música llega al ensayo y me dice más o menos cuál es la idea que trae en la cabeza, previo paso de enseñarle a Mara y pedir su opinión con respecto a las líneas de bajo. A partir de ahí sólo es tocar la canción e irla armando conforme vamos creyendo que suena mejor.

Esteban: ¡Pero Daniel escribió una canción completa que ha sido todo un éxito en los gigs! Se llama La Pinta Completa... y Mara también escribió una canción sobre Zinedine Zidane, pero aún no la hemos tocado en vivo...

Daniel: Después de un tiempo viene la presentación en público, donde vemos si funciona o sobre la marcha se van haciendo modificaciones.

¿Cuáles serían los planes de futuro? ¿Más grabaciones? ¿Un viaje a España? Soñemos, soñemos...

Esteban: ¡Más grabaciones! Tenemos por ahí un montón de canciones que podríamos grabar. ¡Y seguir tocando en vivo! Pulir el sonido "padrino", si es que eso es posible. ¡Un viaje a España, claro! Y a Inglaterra. Dos lugares que debemos visitar, a los que les debemos mucho. ¡Nos encantaría irnos de fiesta por España, con los amigos que hemos hecho gracias a la red de redes! Y seguir devorando música.

Daniel: ¡Qué mejor que más grabaciones! Hay Los Padrinos! para rato... Un viaje a España sería espectacular, viajar a una tierra donde tienen más idea de lo que estamos haciendo más allá del "indie populero" en el cual se ha tristemente estancado este lado del charco. Aunque ya estando por allá una visita a Inglaterra o algo por el estilo no estaría de más...

Mara: Planes... hmmm... Pues tocar y promover el disco que ya existe y tener éxito suficiente para grabar uno más, y después tener más éxito y llegar al Purple Weekend, ¡je! ¿Por qué no...?


Aquí llega una cuestión molesta... sobre todo por lo que se deja fuera. Decidme 5 discos, 5 películas, 5 libros, 5 sueños de cada uno de vosotros.

Esteban: Una cuestión imposible... Pero bueno, me arriesgo a dejar afuera miles de cosas, que conste que lo hago de memoria:

Discos:

Esteban:
  1. Love, Forever Changes (1967)
  2. The Small Faces, Ogden's Nut Gone Flake (1968)
  3. James Brown, Live at the Apollo (1963)
  4. Los Negativos, Piknik Caleidoscópico (1987)
  5. The Zombies, Odessey and Oracle (1968)
Mara:
  1. The Byrds, Fifth Dimension (1966)
  2. Dionne Warwick, Soulful. Dionne genera envidia en mí al cantar de esa manera y al versionar así a los Beatles. Mis favoritas: A Hard Day's Night y I've Been Loving You Too Long.
  3. The Coral, The Coral (2002)
  4. The Beatles, Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (1967)
  5. The Libertines, Up The Bracket (2002)
Daniel:
  1. The Beatles, Revolver (1966)
  2. The Dave Brubeck Quartet, Time Out (1959)
  3. The Blues Brothers, Live at the Universal Amphitheater (¡un bootleg!) (1980)
  4. The Kinks, Well Respected Kinks (The Mable Arch Years) (1966)
  5. The Rolling Stones, Exile on Main Street (1973)

Películas:

Esteban:
  1. Alphaville, une étrange aventure de Lemmy Caution (1965)
    de Jean-Luc Godard.
  2. Stardust Memories (1980) de Woody Allen.
  3. L'année dernière à Marienbad (1961) de Alain Resnais.
  4. Charade (1963) de Stanley Donen.
  5. Blood In, Blood Out (1993) de Taylor Hackford, "Ese."
Mara:
  1. High Fidelity (2000). Ésta en realidad es favorita de todos. ¡Pudo haber estado en la lista de cualquiera de los tres!
  2. Eternal Sunshine of a Spotless Mind
  3. Le fabuleux déstin d'Amélie Poulin (2001)
  4. Trainspotting
  5. School of Rock
Daniel:
  1. Back to the Future 1, 2 y 3.
  2. El día de la marmota.
  3. Arma Mortal 1, 2, 3 y 4.
  4. 100 Girls... ¡Lo sé!... Pero me gusta.
  5. Die Hard!

Libros:

Esteban:
  1. High Fidelity de Nick Hornby.
  2. The Catcher in the Rye de J.D. Salinger.
  3. Por favor, rebobinar de Alberto Fuguet.
  4. La conjura de los necios de John Kennedy Toole.
  5. The Big Sleep de Raymond Chandler.
Mara:
Yo no sé leer. No puedo tener un Top-5 de libros...

Daniel:
  1. La sombra del viento de Carlos Ruíz Zafón.
  2. El juego del ángel de Carlos Ruíz Zafón.
  3. Harry Potter del 1 al 7.
  4. La historia interminable de Michael Ende.
  5. El club Dumas de Arturo Pérez Reverte.

Sueños:

Esteban:
  1. Un Swinging León (don).
  2. Ser parte de una major work of art (y para mi, un disco de The Sonics es tal.)
  3. Aparecer en una película de Woody Allen diciendo, como único parlamento: "These pretzels are making me thirsty".
  4. "Wouldn't it be nice to be Dorian Gray... just for a day?"
  5. Terminar, al fin, mi Máquina de Tiempo (intenté con la carrocería DeLorean tan útil, pero se veía mejor en una Vespa; sin embargo, eran tantos controles que intento ahora meterlos en un Mini '62.)
Mara:
  1. Una boutique como la de Mary Quant.
  2. Cantar como Dionne Warwick.
  3. Tener un diálogo con mi gato (hablarle sin que responda se volvió cansado.)
  4.  Entender a los chicos, tal vez así ya pueda tener uno.
  5. Tener una gran colección de gafas.

¿Cómo se ve desde vuestro León, el otro León y toda esa saga maravillosa? Los Flechazos, Alex y Elena, Cooper, el Purple Weekend, en fin, los mods en España.

Mara: Emocionante e inspirador...

Esteban: Totalmente inspirador. Espero que algún día nuestro León pueda ser parecido, musicalmente. En eso estamos. "Sé que nadie me entenderá/ cuando me encierre solo en mi habitación/ y haga los planes para/ que mi ciudad viva una nueva explosión."

Daniel: Creo que en ese aspecto, si nos referimos al concepto de qué opina el "movimiento Mod" del León de acá creo que es un tema que pasa de noche y que somos contados los que sabemos de su existencia y más contados los "expertos" en el tema. Yo me considero un principiante en estas cuestiones, ya que en realidad no he tenido contacto como me gustaría... Para mí es espectacular como allá puede haber tanta gente que se reúna a hablar y a compartir cosas tan impresionantes y geniales como la música, las scooters, el buen gusto...

Esteban: Todo es tan raro acá que lo que sucede allá es demasiado idealizado... Igual hay qué comenzar a fijarnos en nuestra propia mitología... ¡que ahí está, pero no hacemos caso! ¡Menos intrigas y más acción!

El hombre globo lo sabrá... La trampa del bulevar... Baila polka conmigo una vez más... es decir, es como si todo fuera muy críptico, ¿o son cosas mías? ¿Cómo es ese universo particular?

Esteban: Precisamente, un universo muy particular, como el que supongo que tienen todos los que consumen activamente "cultura".

Daniel: Creo que sí, llega a ser un tanto críptico en el sentido de que muchas veces los chistes sólo los entendemos nosotros. Aunque la mayoría son situaciones mensas en las que nos vemos envueltos, vivencias de cada uno y de los tres como grupo.

Mara: Creo que sí, códigos desarrollados en nuestro círculo, creo. Chistes locales, pero igual la gente externa tiene la libertad de creer lo que se le ocurra, entender o inventar sus propias historias en torno a nosotros...

Esteban: Cada canción tiene sus referencias, sus detalles, hablamos de lo que somos y lo que hacemos...

Daniel: También esa tendencia de llenarnos de datos, cosas tan ciertas que son tan ciertas que no sirven pa' nada.

Esteban: Pero al final, todo es referencia a algo. The Balloon Man Will Know, haciendo realidad la fantasía de Les Pattison y los Love Pastels. Igual lo de La Trampa del Bulevar. ¿No les suena? Lo encontrarán entre las páginas de algún libro... ¡Se los dejamos de tarea!

La reseña sobre vosotros en la web Modculture tuvo que ser emocionante, ¿no? ¿Qué significó realmente?

Mara: ¡Wow! Cuando lo recuerdo aún no lo creo, se sintió importante. De cierta manera, indescriptible...

Daniel: Sí que lo fue... Fue muy impresionante ver que al menos alguien en alguna otra parte del mundo sabe de nuestra existencia y que tal vez alguno haya tenido la curiosidad de ver de qué iba eso de ese trío de ese lugar de "debajo de Estados Unidos", aunque hayan sido uno o dos.

Esteban: Sí, fue extraño vernos allí. Yo suelo revisar el sitio cada vez que puedo y un buen día estábamos allí. Reinicié la máquina, creyendo que había un error...

Me gustaría que Los Padrinos! dieran algunas recomendaciones a los lectores del Ecos de Sociedad... de lo que queráis...

Esteban: Pues, no sé, ¡ellos deberían recomendarnos algo a nosotros! Yo confío en un lector del Ecos. Es señal de sensatez.

Mara: La recomendación sería: siempre atravesar las calles por la cebra peatonal y mirar a ambos lados antes de cruzar. Eso siempre ayuda a mantenerse vivo un poco más...

Daniel: No compren drogas... mejor vuélvanse rockstars ¡y se las regalan!

¿Y los mods en México? ¿Os lleváis todos bien? ¿Hay discusiones? ¿Personajes? ¿Pasado, presente, futuro?

Esteban: ¡Los mods en México! Hay pocos, pero bien distribuidos, "desde Tijuana y hasta Cancún", como dijeron unos amigos en el Chewing Gum Weekend pasado. Creo que sí, nos llevamos bien en general, a pesar de las distancias, que es un país enorme. Somos tan pocos que tenemos qué llevarnos bien, cómo no. Con unos me llevo más que con otros, sin embargo, por cuestión de comunicación, ya que estamos en lugares geográficos muy distintos. Sí hay discusiones, por supuesto, porque tenemos visiones de mundo y opiniones muy diferentes pero creo que es lo que enriquece al movimiento y no al contrario. Qué aburrida la uniformidad. Siempre habrá quejas de personas que quieren desvirtuar el asunto y de gente novata que está "por moda", pero como he platicado con Toño, uno de los mods de Tijuana que más años llevan siéndolo, quien realmente se sienta apasionado por este modo de vida, se quedará. El tiempo va haciendo un filtro necesario.

Mara: Definitivamente los Mods en México tienen ya un poco de historia y por supuesto personajes. La escena va creciendo y proyecta un panorama próspero, lleno de fiesta, música y baile.

Esteban: Y además hay variedad. Conozco desde las personas completamente centradas en la música negra y cualquier otro color les pone verdes, ¡ja! Hay quienes son más incluyentes, hay a quienes les fascina el jazz y lo ponen por sobre todas las cosas... Los hay obsesivos con la música nacional "de época"... Creo que hay un movimiento creciente y saludable, aunque me llamen ingenuo.

Daniel: Con los pocos que he tenido el gusto de conocer la relación es cordial. De repente uno tiene sus diferencias, pero nada serio.
Esto es todo, señorita y caballeros. Gracias por la actitud y por la pasión. Si queréis decir algo más, este espacio es todo vuestro... por mi parte ha sido y será un placer!!

Esteban: El placer ha sido todo nuestro. ¡Todo un honor!

Los Salvajes

¿Se puede decir que hubo alguna vez un grupo "rollingstonizado" en España? Al 100% no ha habido ninguno, pero quizás los que más influenciados estuvieron fueron Los Salvajes. Y eso que en los 60 hubo varios grupos que hicieron versiones de los Stones en este país, algo normal cuando lo habitual en los conjuntos españoles era versionear sin piedad todo tipo de canciones procedentes del exterior, y es cierto que con el tiempo voy descubriendo más grupos que hicieron en los 60 versiones de Jagger y compañía, pero aquí en España cuando hablamos de grupos influenciados por los Beatles enseguida vienen a la mente Los Sirex o Los Mustang, y en cambio cuando nos referimos a la influencia Stones los primeros y quizás los únicos que nos figuramos son Los Salvajes, de los cuales os voy a hablar a continuación.

Los Salvajes, de Barcelona, apasionados a principios de la década de los 60 por la música, pero realmente por los sonidos más agitadores existentes entonces (rock'n'roll, Shadows y beat, nada de baladas ni cosas por el estilo) no lo tuvieron fácil en un principio cuando decidieron formar un conjunto musical, agresivos y poco agraciados físicamente, cuando les ofrecieron la oportunidad de tocar nada menos que en Alemania no se lo pensaron dos veces y emigraron inmediatamente. Esta fue la mejor decisión que pudieron tomar, en su ciudad natal estaban condenados al fracaso y la desaparición, y en cambio la estancia en Alemania les sirvió no solamente para actuar en locales míticos como el Star Club de Hamburgo, sino además para poder enriquecerse musicalmente con mejores influencias de las que podían llegar a España y contactar con grupos y músicos que más podían asemejarse a sus gustos musicales.

Nunca he podido averiguar el nombre de aquel promotor alemán que les propuso acudir a Hamburgo, pero tanto Los Salvajes como sus fans se lo agradecerán eternamente. Tras seis meses de estancia en tierras germanas optaron por regresar. Pero antes de haber iniciado la aventura alemana, Gaby Alegret (el genial cantante y alma-mater del grupo) y compañía (Delfín Fernández, Francisco Miralles, Sebastián Sospedra y Andrés González) ya habían grabado el que sería su primer disco, un EP (aquí en España no existía apenas el formato single) y fue en mayo de 1964. Este disco contenía la genial canción beat Hoy comienza mi vida, además incluyeron dos versiones de éxitos franceses, pero nos quedamos con la excelente versión del Boys, ellos en los créditos se la adjudicaron a Lennon-McCartney, creyendo que era original de los Beatles, cuando en realidad fue grabada originalmente por el conjunto de chicas The Shirelles. Esta EP fue de una tirada limitada en un sello pequeño, un disco muy difícil (o imposible) de encontrar, y que fue reeditado en 1966. Pero no obstante les sirvió lo suficiente como para haber iniciado su despegue musical en el extranjero.

A su regreso de Alemania ficharon por un sello grande, nada menos que EMI (el mismo que el de los Beatles), y editaron en 1965 otro buen EP, con temas beat como No me digas adios o Hielo en vez de amor (la primera canción propia del grupo). Inmediatamente editaron otro EP, y ya podemos deleitarnos poco a poco con su estilo 'salvaje' a partir de esta grabación, en la cual incluyeron su primera versión 'Rolling', el clásico Satisfaction (Satisfacción), excelente y, cómo no, salvaje, con sus guitarrazos y la energía vocal del cantante, muy superior a las otras versiones que el mismo año hicieron sus paisanos Lone Star y los mallorquines Los 5 del Este. Este disco, aparte de la buena versión del Wooly Bully de Sam The Sham, incluía además dos versiones pop, una de ellas una italianada infumable. ¿A que se debía? ¿A presiones de la discográfica?


Comienza 1966 y este será su gran año con tres EPs inolvidables con los que se consagraron como el grupo a seguir por los jóvenes rebeldes del país, o sea, seguidores de los Rolling Stones sin duda y que los veían claramente reflejados en los Salvajes.

El primer EP de este año y cuarto en su haber aún contenía alguna de las versiones pop 'impuestas' ya mencionadas, pero ensombrecidas por la enérgica y aplastante Al Capone, y el siguiente EP fue ya la bomba explosiva que muchos necesitaban para abrir los ojos y entregarse al sonido de estos chicos, cuatro canciones sin desperdicio, entre las que sobresalen Soy Así, una declaración de principios particular compuesta por ellos mismos, con un total desparpajo nunca visto anteriormente en España. Luego la gran versión del 19th nervous breakdown que ellos titularon La neurastenia, con esa energía tan propia y tan Stone, qué guitarrazos, qué ritmo... El resto del disco fueron una buena versión del Keep on running de Spencer Davis Group, y Estas botas son para caminar (These boots are made for walkin) de Nancy Sinatra, cantada en inglés y muy bien, por cierto. Un disco imprescindible.

A finales de ese año graban otro disco siguiendo el mismo esquema que el anterior, es decir, una canción compuesta también por el grupo, Es la edad, en la cual vuelven a reflejar su propuesta juvenil rebelde y desenfrenada, y una también muy buena versión del Somebody help me (Que alguien me ayude) de Spencer Davis Group (otro de sus grupos favoritos) mas la versión del listado en ventas de los Troggs With a girl like you (Una chica igual que tú), y completa el disco, como no, una versión de los Stones, en concreto del Paint it black, titulada Todo negro, con una letra muy elaborada, en la que lo ven pues eso, todo negro, incluidas las chicas, vestidas con dibujos 'op-art'. Esta quizá fue la canción más conocida de ellos, al menos es la que más recuerdan los más veteranos. ¡Ah! y se me olvidaba, no sólo demostraban su postura rebelde en los surcos de los discos, también las portadas de los discos eran estupendas, son sus vestimentas a lo Carnaby Street. Y los conciertos de ese año debieron de ser bestiales.

Con esto pasamos a 1967, y grabaron dos EPs también muy buenos, el primero de ellos con un tema algo cómico, Las ovejitas, para muchos su mejor canción, y versiones de Troggs y Four Tops, y en el siguiente disco aparecieron con un sitar en portada, las influencias psicodélicas también han llegado a nuestro país, y ellos quieren ser los abanderados del nuevo estilo, demostrándolo en el tema Mi bigote, y en la excelente Vivir sin tí. Algo también destacable de este disco es que solo hicieron una única versión. Pero de repente se impone el formato single y editan el primero en su carrera, apareciendo de nuevo con un sitar en la foto junto a vestimentas orientales, y aunque en la cara A grabaron una versión del insulso Massachussets de los Bee Gees, en la cara B lo arreglan con la psicótica y fantástica El don Juan, energética y alucinante, con un sonido tremendo, en un estilo que muchos han encuadrado como 'freakbeat'.

En cambio el siguiente disco poco o nada tuvo que ver con este sonido, con dos versiones de clásicos pop, Judy con disfraz de John Fred & His Playboys y otra de los Bee Gees de nuevo. También publicaron un LP con una excelente portada psicodélica en el que incluyeron sus mejores temas editados basta la fecha.

Llega 1968, y aquí se demuestra que todo lo que sube, baja, ya que cuando el mercado musical nacional está en su apogeo y casi todos los grupos grabando a mansalva, ellos solamente publicaron dos singles. El primero contenía la cuarta y última versión que hicieron de los Stones, en concreto de Jumpin' Jack flash, que ellos titularon Algo de títere, con una letra que nada tenía que ver con la original, al igual que el título, aunque ellos se habían especializado anteriormente en hacer calcos aproximados de los temas originales tanto en estilo como en sonido y letra (bueno... precisamente La neurastenia tampoco tenía mucho que ver con la original). Lo curioso de esta versión es que incluyeron vientos.

El siguiente sencillo fue un poco raro, con una extraña canción llamada Los platillos volantes junto a una versión de los Bee Gees (¿otra vez?).

En 1969 ponen punto y final a la aventura musical y se despiden con un single que contenía una gran canción al estilo soul titulada I need your loving. Servicio militar, ingreso en otros grupos y negocios propios son las consecuencias de la disgregación del conjunto.

Ya en los 80 el cantante Gaby formó unos nuevos Salvajes, con músicos más jóvenes, y en un estilo un tanto 'heavy', aunque posteriormente los miembros originales se han reunido a modo de 'revival',

Bien, terminado el artículo veo que quizá me haya excedido ponderando al grupo, lógicamente en la misma época en el extranjero surgieron mejores plagiadores de los Rolling Stones, y quizá también se hayan excedido haciendo versiones (aunque en los 60 era una práctica habitual en todos los conjuntos), pero la cuestión es que se trataba de un grupo que con sus modos y actitudes fueron los pioneros en ser rebeldes en España (un país sometido a una dictadura), tanto musicalmente como en actitud (lógicamente a su manera y dentro de sus posibilidades), lo que han hecho que para mí y para muchos hayan sido el mejor grupo en la España 60s, y que sean merecedores de llevar con orgullo el cartel de los 'Rolling Stones españoles' ¿O no?

¡Salud y Salvajes!

Carlos Borras

Capítulo 21

Fue en 1988. No recuerdo muy bien dónde pillé la dirección... En otro modzine seguramente? No lo sé o no lo recuerdo. ¿Quién dice que hay que recordarlo todo? Me conformo con no olvidarlo. Era un trío de Albacete y se llamaban Los Buenos, como aquellos otros de los años 60.

Me puse en contacto con ellos y durante un tiempo fuimos buenos amigos. Les enviamos varios números del Ecos y ellos nos contaban sus noticias, incluso hicieron una sesión de fotos para enviarlas y que aparecieran en los fanzines. Se les veía tumbados en un parque, con sus trajes de tres botones. Me acuerdo de que allí estaban Paricio y Gil... No me acuerdo bien del nombre del otro miembro... ¿Juan Carlos? No me lo tengas a mal, fue en 1988.

Al tiempo mandaron una maqueta que tenía 8 canciones y me avisaban que en la cinta había una sorpresa. El listado de las canciones era el siguiente:

  • El problema de mis pelos (versión de Micky y Los Tonys)

  • Llevé a mi chica a bailar

  • Albacete Pop Art

  • Hay un naufrago en mi whisky

  • Extraño lugar

  • Las agujas de mi reloj

  • Es solo r'n'r pero menos da una piedra

  • Olvidarte


Y la sorpresa que habían incluido era Burbujas, 'una sorpresa psicodélica dedicada al Ecos de Sociedad'.

Guau! Fue realmente toda una sorpresa!! Eran unos segundos de una especie de broma psicodélica con ruidos y voces y algunos acordes saturados. Genial! Durante un montón de tiempo fue mi maqueta favorita.

No es fácil quitarte de la cabeza canciones como ese clásico de nuestra escena mod como es Extraño lugar o mi favorita Olvidarte, pero es que realmente todas las canciones eran estupendas. Alguno de estos temas era otra versión de The Kinks, y estaba otro clásico como Albacete Pop Art, llenos de feedback y guitarras.

Aparecieron algunas canciones sueltas en una de las recopilaciones del fanzine Only Mod y no me acuerdo si llegaron a grabar algo más, o qué fue de ellos. Si siguieron en otras bandas o lo que fuera, pero durante ese tiempo fueron grandes, por lo menos para el Ecos.

El amigo Angel me ha recordado que les llamaban "los Creation de Albacete" y el amigo Juanpe tiene aquella maqueta histórica para esa labor maravillosa que está haciendo con las recopilaciones de Moderno pero español.

Los Buenos, Albacete Pop Art, 1988-2008.

miércoles, 20 de noviembre de 2013

David, editor del fanzine Making Time


¿Cómo conociste el movimiento Mod?

Hace unos doce años yo iba dando tumbos, "buscando mi lugar en la vida", y entonces oí en un programa de Radio 3 a The Hollies (en concreto Look through any window versión francesa) y a The Who (Anyway, anyhow, anywhere) y todo cambió, conocí lo que era el movimiento mod, me fascinó y desde entonces quise formar parte de ello. Era como si mi vida fuese un puzzle incompleto y gracias a esas canciones todas las piezas finalmente encajaron.

Eres editor de un Modzine, tocas la batería en una banda, trabajo... ¿Cómo puedes?

Pues mineralizándome e hipervitaminándome... Tengo la enorme suerte de tener un trabajo cómodo que no me roba mucho tiempo y en mi tiempo libre puedo dedicarme a lo que realmente me llena. Para hacer el fanzine sacaría tiempo de donde sea, ya que es de las cosas de las que estoy más orgulloso. Tengo también un programa de radio en el que pongo la música que me gusta... son cosas que me llenan y no cuesta mucho hacerlas... Y en cuanto a lo del grupo (primicia!!!!) recientemente lo he dejado, pero, atención!, te adelanto que pronto pondremos en marcha una auténtica banda de garaje psicodélico y freakbeat... tendrás noticias nuestras!

Dame 10 claves, 10 razones por las que eres Mod
  1. Porque la música de la escena mod es la que me hace vibrar.
  2. Es una escena que se centra y se desarrolla en torno al amor a la mejor música jamás creada.
  3. Es seguir un estilo de vida cuyo origen está en una época mejor, más creativa en todos los aspectos.
  4. El mod busca, de una forma hedonista, la felicidad, al margen de otras preocupaciones que atenazan al resto de mortales (política, religión...)
  5. Si sientes que no encajas con el resto del mundo y al mismo tiempo te quieres diferenciar de la mediocre normalidad, no hay nada mejor que ser mod (coño, si perteneces a una escena que surgió hace más de 40 años SEGURO que eres diferente al resto del mundo actual!)
  6. Hay un alto grado de integridad en la escena mod que me parece muy atractivo, la cuestión de mantenerla practicamente inalterada (aunque admito que se pueda hablar de una escena sixties/mod, y no sólo mod), íntegra y evitar corromperla con influencias nocivas... es algo muy poco común en los movimientos culturales y por lo que me parece apropiado luchar.
  7. No hay nada como ir gritando por la calle We are the mods, we are the mods...!.
  8. Es un movimiento con expresiones culturales en el campo de la música, las artes plásticas, la literatura, el cine, la moda...
  9. Porque la ropa modernista es la más elegante!
  10. Porque somos los mejores, qué coño! Nadie se nos puede comparar!
¿Expectativas para el Purple Weekend? ¿Escribirás una crónica para el Ecos?

Va a ser mi primera concentración 60's/mod, y aunque alguna que otra vez suelo caer en el desenfreno etílico, espero controlarme para no perderme el más mínimo detalle. Expectativas, pues, las mayores... fabulosas allnighters y actuaciones de algunos de mis grupos favoritos (Zombies, Chocolate Watchband) y de mi novia (Undertones). Da por hecho que escribiré una crónica!

¿Smart Dress o Casual? ¿Tu última compra? ¿Al final te compraste aquellas botas?

Ultimamente bastante más casual, y he de confesar que he abandonado un poco en las ocasiones especiales el smart dress por ropajes más coloristas y psicodélicos, acorde a los gustos musicales que ahora mismo se están imponiendo en mi discoteca.

Mi última compra, una tela de paramecios muy maja para hacerme una camisa.

No! Mi novia tenía razón y no me las compré, y buscando por internet he encontrado las DEFINITIVAS que muy pronto serán mías!

Dame cinco recomendaciones... así en general de lo que tú quieras.
  1. Comprar discos originales, ya sea vinilo o cd. Pocas cosas son tan gratificantes como gastarte el dinero que tanto te cuesta ganar en música.
  2. Tener una postura sarcásticamente crítica respecto a todo, ser políticamente incorrecto.
  3. No dejarse llevar por las modas pasajeras.
  4. Leer mucho y lavarse los dientes después de cada comida.
  5. Yo qué sé! Hacer lo que a cada uno le apetezca!
¿Con qué genero musical te quedarías?

Indudablemente, el freakbeat, es decir, aquellos grupos británicos que surgieron tras la primera oleada beat y r&b y que mezclaban esas tendencias con extravagancias que anticipaban la primera psicodelia.
¿Cómo ves tu futuro? ¿Y tu presente?

El futuro lo veo esperanzador, haciendo mías tus palabras, lo mejor está por venir. Y mi presente, pues nada malo, no señor: tengo una pareja fabulosa, pronto me independizaré, gano lo suficiente para vivir y para gastar en mis vicios y viajar, se avecina un festival estupendo... no me puedo quejar!

Cinco canciones de tu vida
  • So sad about us, The Who
  • Can't seem to make you mine, The Seeds
  • I can hear the grass grown, The Move
  • Vacuum Cleaner, Tintern Abbey
  • Pretty Ballerina, The Left Banke

Cinco grupos de tu vida

The Who, The Yardbirds, Small Faces, The Byrds, The Creation

¿Astronautas o Cowboys?

Cowboys colocados que se crean estar volando por el espacio...

¿Liverpool o San Francisco?

Londres! Con frecuentes vuelos a la costa oeste norteamericana!

¡Qué geniales The Byrds!... ¿Alguna anécdota de ellos?

R: Sí, su primer tour en Inglaterra, en 1965, fue muy duro para ellos ya que fueron recibidos negativamente. Los ingleses veían mal que la respuesta americana a su British Invasion pisase su tierra, total, sólo eran unos colonos! Lo mejor de todo es que en el aeropuerto, a su llegada, una multitud les abucheaba y les insultaba, entre ellos muchos fans del grupo inglés de r&b The Birds, que había tenido un conflicto legal con los californianos por el uso del nombre (aunque difería en una letra). Entre la multitud cabreada había un tío que increpaba de forma particularmente violenta, era nada más y nada menos que el guitarrista de los Birds, un jovencísimo Ronnie Wood!

Cinco nombres de grupos de hoy... o de pasado mañana

The Boogaloo Investigators (sin duda en el primer puesto!), Fortune Tellers, Ocean Colour Scene, Dr. Explosion, The Purple Garden (nombre provisional de mi futuro grupo!)

¿Allnighter o Scooter Run?

No tengo mucha experiencia en ambas pero, a priori, allnighter sudorosa y con efluvios etílicos y psicodélicos hasta el amanecer!

¿Me puedes adelantar algo de los futuros contenidos del Makin' Time?

El número cuatro me parece que seguramente será el mejor hasta ahora, y estará practicamente dedicado a grupos ingleses... Preparo un artículo sobre la primera formación de Deep Purple, tal vez biografías de Honeybus, de los norteamericanos The Delvetts, recomiendo un disco de Fairport Convention (todo ésto es provisional)... los contenidos que aporta Omar son alto secreto! Y, seguramente, acompañado de un nuevo cd de rarezas...

¿Arte Moderno o Pop Art?

Pop Art! Creo que es vital e indisociable de la música que más nos gusta.

¿Qué piensas de las viejas discusiones, ya eternas, en la escena española?

El estar "aislado" geográficamente y con escaso contacto con la escena me ha permitido afortunadamente mantenerme al margen de esas discusiones, pero si he de acercarme a alguna postura, he de decir que hay sonidos que, aunque no estrictamente mods, estaríamos cometiendo un error imperdonable si los ignorásemos. No hay más que ver los tres primeros números de Making Time para ver a lo que me refiero. En resumen, todo este rollo para decir que sí, que soy un mod "abierto"... pero no mucho!

¿Revival o Punk 60's?

Me encanta el revival, y lo voy conociendo más gracias a mi novia, es tremendamente energético! Pero si he de elegir me quedo con el punk 60's y el garaje. Es en apariencia interminable la cantidad de grabaciones que existen de esa generación de grupos, y fascinante lo locos que estaban esos (generalmente) adolescentes, mezclando influencias inglesas, r&b y pinceladas psicodélicas.

Háblame de quien sería tu batería perfecto.

Admiro a los grandes, Moon y Bonham, y a Kenny Jones por su trayectoria (qué tío!, dicen que Bill Wyman es el hombre más afortunado del mundo por haber estado en los Stones, pero creo que este hombre le supera: Small Faces, Faces, Who...), pero ahora mismo me fijo mucho en Skip Alan, de los Pretty Things, y al tremendo Dino Vanelli, de los Young Rascals, uno de los grandes de los 60 y nunca suficientemente valorado: dinámico, espectacular y qué rítmico!

¿Small Faces o The Who? Mójate.

Uf, qué duro eres preguntando... Pues los Small Faces tuvieron una carrera perfecta, intachable, sin mácula y que terminó seguramente en el momento justo, sin que les diera tiempo a alguna metedura de pata... todo lo contrario que The Who, una larga carrera con montón de puntos bajos. Pero si he de elegir, me quedo con los chicos de Pete Townshend, su mezcla de arrogancia con vulgaridad, sus excesos y alguna que otra muerte absurda... y sus discos y directos grandiosos!

¿Sexo, drogas y rock and roll o Espero morir antes de viejo? ¿Con qué te quedas?

Pues "espero morir antes de viejo"... (aunque el bueno de Pete Townshend no predica con el ejemplo, ahí lo ves, a su edad y subido a un escenario...). "Sexo, drogas y r'n'r" es un eslogan mucho más reciente y prefabricado, y ha sido tan manoseado que ya da reparo... lo veo muy apropiado para esta nueva hornada de indies-poperos-ochenteros, es tan falso como ellos.

¿Cómo verías tú la evolución de un Mod? Si es que la hay, claro...

Bueno, creo que la palabra evolución no es la acertada, ya que implica cambios graduales para mejorar... Me quedo, simplemente con cambios. Cada mod tiene su propia trayectoria y sus propios cambios, lo normal en un movimiento que hace del individualismo una de sus señas de identidad. Yo, personalmente, estoy encantado con mi trayectoria, y respeto que otros tiren por sonidos más negros, por ritmos jamaicanos, por el pop actual... lo inadmisible son aquellos que se convierten a la música electrónica! Qué vuelva la hoguera!

¿Tu último descubrimiento?

Vaya, muchos y muy distantes entre sí... las deliciosas melodías pop de Honeybus (y derivados), el hard rock de finales de los 60 y principios de los 70, el melodrama pop de Scott Walker, el folk-rock británico (Pentangle, Fairport Convention, Incredible String Band...), debe ser cosa de la edad!

¿Qué te parece estar contestando todo esto?

Me divierte mucho, aunque algunas preguntas me hayan hecho sudar tinta!

¿Bebidas y comidas favoritas? ¿Vicios?

Coca-Cola, Guinnes, spaguetti con mucho tomate y queso, mariscos...

¿Vicios? Gastarme cantidades prohibitivas en discos y embarcarme en proyectos de los que luego me arrepiento y acabo abandonándolos.

Cinco películas favoritas

Hay cosas que marcaron mi adolescencia y que aún me lo hacen pasar bien, como las cuatro entregas de Arma Letal, Robocop, El nombre de la Rosa... cosas bastante freaks y variadas, pero como nos está saliendo una entrevista bastante centrada en lo musical, aquí van unos films imprescindibles: Un Dos Tres Al Escondite Inglés, El Guateque, Casi Famosos, Grace Of My Heart, The Commitments.

¿Tienes simpatía por otro movimiento cultural?

Sí, la escena northern soul me parece fascinante, y el movimiento hippie original, de raíces beatnicks que proclamaba el retorno a la naturaleza y de música muy ácida. Nada que ver con el actual, sólo van a manifestaciones, escuchan a Marley y cantautores, qué coñazo!

¿Libro favorito?, ¿Cómic favorito?

Mi libro favorito... por ahora son dos: Ponche de Ácido Lisérgico, de Tom Wolfe, y Alta Fidelidad, de Nick Hornby. En cuanto a los cómics, he sido aficionado a la Marvel, he leído mangas... y ahora me quedo con Astérix.

¿Algo que quieras decir?

Ha sido un auténtico placer contestar a esta entrevista para La Vieja Ola y Ecos de Sociedad, que son sin duda alguna un hito histórico de la escena modernista española. Keep Lokin'! Keep the Faith!

Gracias David... Saluda a Luz y a Omar de mi parte, ok?

Stay Cool! Makin' Time!!

Pop Art Fashion Extravaganza!

No hay mod que no haya soñado nunca con entrar en una allnighter embutido en unos ajustados hipsters blancos, luciendo un back-combing que ni el mismísimo Rod Stewart y provocar instantáneamente miradas de envidia en ellos y de lujuria en ellas; la elegancia y por que no, la extravagancia, siempre han sido señas de identidad de los mods y por eso he decidido hacer un breve y divertido repaso en un Top 5 por algunos de los más extravagantes grupos británicos que abrazaron la estética pop que revolucionó la moda tanto femenina como masculina allá a mediados de los 60. Estas nuevas tendencias tuvieron como epicentro Carnaby Street y King's Road en Londres, sus gurús fueron diseñadores como John Stephens y Mary Quant, y sus mejores maniquíes modelos como Twiggy y los grupos mod de la época, que con la llegada de los Who pasaron de imitar las formas de vestir de sus seguidores a establecer modas yendo un paso por delante de los demás en originalidad y atrevimiento. Obviamente no están todos los que son pero son todos los que están... espero vuestras sugerencias para próximas listas de mejor y peor vestidos de la época ...

TOP-5. THE RIOT SQUAD


En el escalafón más bajo de nuestra lista encontramos a estos simpáticos mancunianos que pasarán a la historia por ser el primer grupo del por entonces imberbe Mitch Mitchell, que luego alcanzaría fama mundial como batería de la Jimi Hendrix Experience. Musicalmente su carrera nos dejó un puñado de singles irregulares que sin embargo esconden algunos de los mejores temas del soul británico de la época como Anytime o Nevertheless.

Y en cuanto a ropajes, que es lo que nos interesa, fue precisamente en la portada de su single Anytime donde dejaron a todos boquiabiertos al presentarse ataviados en pleno año 65 (cuando todavía quedaba muy lejana en el tiempo la invasión hippie que llegaría de la costa oeste norteamericana) con unos chocantes y psicodélicos hipsters rojos con flores!!. No consiguieron vender muchas copias de este single pero llamar la atención sí que lo consiguieron... y se adelantaron en casi un año a la revolución de las flores!.

TOP-4. JOHN'S CHILDREN


Un puesto más arriba encontramos a otro grupo que más que por su talento musical (en este caso más bien inexistente) pasarán a la historia por haber cobijado en sus filas a un personaje de posterior relevancia mundial, como ocurre con el señor Mark Feld, a.k.a. Marc Bolan. Su legado discográfico merece poca o nula atención pues está lleno de medianías y pésimas producciones que poco hicieron por vender un producto ya de por sí poco atractivo. Pero si por algo habría que destacar a John's Children es por la espectacular imagen con la que llamaban la atención desde las portadas de sus discos y las fotografías de las revistas.

Tan sencillo como efectivo, el vestuario con el que pasarán al imaginario pop art consistía de hush puppies, hipsters y camisetas/sudaderas de inmaculado color blanco, que resaltaban a la perfección su ya de por sí mortuoria imagen casi de estatuas de mármol con sus pálidas y circunspectas caras y sus inmejorables back-combings. Por cierto, esta vestimenta era ideal para luego proyectar sobre ella imágenes en sus impactantes conciertos repletos de excesos pop art, con proyecciones, ruidos pre-grabados, feedback y mantos de flores en el escenario... wanna come and play with me in the garden?

TOP-3. THE BEATSTALKERS


Estos jovenzuelos provenían de la fría Escocía y en su momento fueron calificados en un alarde de originalidad, como los Beatles escoceses por la prensa regional (al igual que sus paisanos los Poets o Dean Ford & The Gailords... ). A lo largo de su trayectoria gozaron de una gran popularidad al norte de las Highlands (aunque no así en la capital del imperio -que era donde había que triunfar-), solían provocar disturbios y desmayos entre las jovencitas allí donde iban, y editaron hasta siete singles que pasaron desapercibidos para el gran público entre los que se escondían algunas joyas de rhythm'n'soul como Left Right Left o You'd Better Get A Better Hold On.

Pero sin duda, los Beatstalkers serán recordados especialmente por una sesión de fotos para su sello discográfico en la que aparecían luciendo unos llamativos pantalones acampanados de cuadros que nunca antes habíamos visto en ningún otro grupo; algunos los sujetan con tirantes!! al descubierto, y otros los acompañan con gruesos polos de cuello alto entallados bajo el pantalón, como se puede ver en la imagen de al lado. No tengo muy claro todavía que se pueda calificar de elegante su apariencia pero al menos original sí que era.

TOP-2. THE EYES


Estos gamberros son favoritos míos. Provenientes del barrio londinense de Ealing, fueron algo así como una incordiante sombra de sus vecinos los Who. Que unos sacan I Can't Explain pues los otros copian el riff de guitarra y publican I'm Rowed Out; unos graban ese himno generacional que es My Generation, los otros se burlan con My Degeneration y tartamudeo incluido; unos se "inventan" el sonido pop art y le dan una explicación intelectual, ellos se sacan de la manga la etiqueta Expressive Sound Production para definir algunas de sus canciones; que unos hacen del feedback un instrumento musical más, los otros introducen el gong en la música pop y le dan un significado especial; que los Who destrozan los instrumentos en el escenario para dar espectáculo, ellos directamente aparecen en escena montados en sus scooters!... toda una lista de excesos burlones y llenos de sentido del humor que también tuvieron su reflejo en su vestuario, así, nuestros chicos empezaron a poner de moda los polos de rugby como prenda de vestir más allá de los propios campos de rugby, y no contentos con eso los adornan con unos enormes ojos para promocionarse... y ya en el colmo de la excentricidad se atreven a salir a la calle con parkas de color rosa!!, digno de ver.

TOP-1. THE WHO


Por supuesto en el número 1 no podía haber otro grupo. Cierto es que eran unos caraduras y más falsos que los Beatles de Cádiz pero también es verdad que ellos fueron responsables muy directos de la revolución estética y musical que afectó a la escena mod allá por el 65/66 para bien o para mal. No solo introdujeron el pop (art) en la escena desde el punto de vista musical (con el feedback y la violencia sonora controlada como marcas de la casa) sino, sobre todo, a nivel estético. Ellos fueron el estandarte internacional del Swinging London y del movimiento mod, y fueron un espejo en el que se miraron muchos jóvenes de la época para vestirse... sus camisas militares, las medallas, los polos con figuras geométricas y onomatopeyas de comic que ellos mismos se fabricaban y por encima de todo sus icónicas chaquetas con la Union Jack.

Estética y sonoramente fueron un paso delante de sus contemporáneos y por ello, con todo merecimiento, les otorgamos el primer puesto de nuestra lista.

Lazy Juanma

Capítulo 20


  • LOS SAICOS (PER)

  • LOS SHAIN'S (PER)

  • LOS LOCOS DEL RITMO (MEX)

  • SURFERS DE LOS CAMPEONES (MEX)

  • LOS BAT BOYS (MEX)

  • LOS SONÁMBULOS (MEX)

  • THE FAMOUS FINKS (MEX)

  • LOS SINNERS (MEX)

  • THE FLIPPERS (COL)

  • LOS OVNIS (MEX)

  • NEW JUGGLER SOUND (PER)

  • LOS SHAKERS (URU)

  • LOS WALKERS (URU)

  • LOS GATOS SALVAJES (ARG)

  • LOS YAKI (MEX)

  • LOS HOLY'S (PER)

  • LOS MONSTRUOS (MEX)

  • LOS CHECKMATES (MEX)

  • LOS MAC'S (CHI)

  • LOS MONJES (MEX)

  • LOS VIDRIOS QUEBRADOS (CHI)

  • LOS SLEEPERS (MEX)

  • LOS MOCKERS (URU)

  • CANO Y LOS BULLDOGS (URU)

  • ALMENDRA (ARG)

  • LOS SICODÉLICOS (CHI)

  • LA TROPA LOCA (MEX)

  • RUBEN Y SUS EMOCIONES (MEX)

  • LOS NAUFRAGOS (MEX)

  • LOS HITTERS (MEX)

  • LOS IN (ARG)

  • LOS ROMANCIEROS (MEX)

  • CON'S COMBO (ARG)

  • LOS TEMERARIOS (MEX)

  • LOS HOOLIGANS (MEX)

  • BEAT 4 (CHI)

  • LOS BULLDOGS (CHI)

  • LOS CHIJUAS (MEX)

  • THE FLYING KARPETS (MEX)

  • LOS IMPALA (VEN)

  • KALEIDOSCOPE (MEX)

  • OS MUTANTES (BRA)

  • TRAFFIC SOUND (PER)

  • WE ALL TOGETHER (PER)

  • OS BAOBAS (BRA)

  • LOS APSON (MEX)

  • TOP FIVE (BRA)

  • SOM BEAT (BRA)

  • BEATNICKS (BRA)

  • MASKERS (BRA)

  • BRAZILIAN BITLES (BRA)

  • LA VIDA (MEX)

  • LA REVOLUCIÓN DE EMILIANO ZAPATA (MEX)

  • LOS JOCKERS (CHI)

  • LOS YETIS (COL)

  • LOS AMPERS (COL)

  • THE SPEAKERS (COL)

  • LOS YORKS (PER)

  • PINA & SUS ESTRELLAS (PER)

  • GOLDEN STARS (PER)

  • LOS 007 (PER)

  • LOS MUTABLES (PER)

Capítulo 19

Hola, Saludos al Ecos de Sociedad!

Aquí os mando un poster del último concierto del grupo formado por varios mods de Vilanova i la Geltru y que se llaman Canley Crematorium. Tocan canciones propias pero también versiones de sus favoritos como The Beatles, The Kinks y muchas más. Aunque mi favorita es la versión que hacen de una canción de Brighton 64 que se llama Haz el amor.

En cualquiera de los casos, los Canley lo tienen difícil por varias razones. Por ejemplo, que en este pueblo nadie muestra mucho interés en ellos... pero también es que en este concierto el líder del grupo, Xavi, hizo uno de sus ya famosos happeninngs y rompió una televisión de época, blanca y negra, que estaba puesta como decoración y los demás miembros de la banda se han enfadado con él. Lo más seguro es que acaben echándolo a pesar de su carisma y busquen a otro guitarrista de sonidos mods. Os enviaré la maqueta que tengo de ellos en cuanto pueda vale? También os enviaré algún ejemplar de un modzine que se llama Purple Flashes, cuyo editor se llama Lluis y ya os conoce de antes.

No somos muchos mods en Vilanova, pero por lo menos intentamos organizar fiestas y eventos. Yo soy la única modette de este pueblo, y los amigos de toda la vida no quieren saber nada. Los demás mods de aquí o están en la mili, o tienen novia o son unos chulos y después está el que es el bajista de Canley Crematorium, al que llamamos Edu Hofner, por el bajo de Paul McCartney y es el único con el que se puede hablar de todo. Ellos acaban de venir del Meeting de Zaragoza, así que estoy deseando encontrarme con ellos para que me cuenten que tal les fue. Tocaban Los Potros y Sex Museum, que son de mis favoritos.

En fin, ya que en donde vivo no hay tanta acción pues la sustituyo por estar en contacto con otros mods por muy lejos que estén, así que si puedes enviame direcciones de otras modettes en España y también de modzines, aunque sean de fuera, vale?

Yo estoy escribiendo un artículo de The Creation y otro de The Kinks, si estás interesado en alguno de ellos pues me lo dices y te lo envío sin problema. ¿Cuando saldrá un nuevo número del Ecos? Espero que muy pronto por que el número 9 ya me lo he leído de arriba a abajo!!

Estoy muy agradecida por todo lo que has enviado y por tu amistad. Me parece estupendo que un mod que ya lleva unos años, hable con todo el mundo sin hacer distinciones. No suele pasar lo mismo con otros Modernistas con los que he establecido contacto; los madrileños por ejemplo, que parecen mirarte por encima del hombro... y la verdad es que no muy bien, por qué? En mi caso, no vale la pena perder el tiempo con ellos. Así que espero que mi relación con el Ecos dure mucho tiempo...

Seguimos en contacto y Saludos!.

Carta de una modette de Vilanova i La Geltru, Barcelona, 1988

martes, 29 de octubre de 2013

Syd Barrett, la espinaca humana

"In my paisley shirt. I look a jerk. And my turquoise waistcoat is quite out of sight. But... oh!... oh!... my haircut looks so ba-ad. Vegetable Man, where are you? Vegetable Man... Ah... aha... ha... haha... ha..."

Sirvan de introducción estos versos extraidos del fantástico outtake de Pink Floyd Vegetable Man, incluido en el pirata Unforgotten Hero, y posteriormente versioneado por Jesus & The Mary Chain y The Soft Boys. Y no solo es a ellos a quien influencia definitivamente la obra de Syd Barrett.

Corre el año 1964, y no hay nada que diferencie realmente a The Abdads del resto de las bandas salidas de las Art Schools londinenses. Tanto ellos como The Banshees de Bryan Ferry, The Soft Machine y tantos otros flasheaban con Jimmy Reed y el R&B en general, la gran tendencia del momento en Inglaterra. El bajista de The Abdads, Roger Waters, atrae por amistad al seno del grupo a un enigmático guitarrista de ojos verdes que desde Cambridge había llegado a una escuela de arte del sur de Londres: la Camberwell School of Art, era Syd Barrett.

"Lo que me hizo venir a Londres fue la pintura. Antes no había hecho nada importante en el terreno musical. Justamente llegué a tomar parte de un grupo de Cambridge al comienzo de los 60: Geoff and The Mottoes. Después de tres años en Londres, comencé a tocar con The Abdads. Y definitivamente, Bo Diddley era mi mayor influencia en ese momento." Syd Barrett.

No hace falta decir que a partir de aquel día la óptica de los Abdads se transforma de un todo por el todo bajo la influencia del temperamento hipercreativo de Barrett. El sonido de Pink Floyd había nacido, y el grupo se mueve durante casi dos años por el circuito limitado de los colegios de arte, no sin antes haber tomado cuidado de librarse del guitarrista Robert Close, que tocaba demasiado limpio para lo que pretendía el grupo.

De un R&B más o menos académico, Pink Floyd-Abdads habían pasado a hacer una especie de free-form rock que mezclaba a Bo Diddley con un freak-out generalizado. Syd no se olvida jamás de acabar sus actuaciones en directo con reverberantes versiones del clásico Louie Louie y Roadrunner que les dejaba explotar en un enorme feedback subsónico sobre unos despavoridos estudiantes a quienes tenían como público.

Un elemento fundamental en la evolución musical de Pink Floyd es la toma de contacto en la primavera de 1966 con Peter Jenner. Este anónimo muchacho londinense fue el revulsivo principal para la creación del sonido del grupo. Jenner había seguido durante meses por todos los Estados Unidos a The Velvet Underground intentando convencerles infructuosamente de que le encargaran la producción. Decepcionado tras la elección de Andy Warhol por parte de Lou Reed, John Cale y compañía, Jenner regresa a Inglaterra decidido a revelar a algún grupo británico los secretos del extravagante grupo neoyorquino.

Y una noche de la primavera de 1966, Jenner ve en directo en el mítico local del número 99 de Wardour Street: el Marquee, a los Pink Floyd, llevados allí por el entonces manager del local Steven Stollman, alertado por los incesantes rumores que corrían sobre ellos. Peter Jenner lo tiene claro. En sociedad con Andrew King ofrece un contrato de management al grupo, contrato que los Pink Floyd aceptan, y del que saldrá un acuerdo con EMI del que hablaré mas tarde.

Jenner también les revelará los secretos para perfeccionar su nuevo sonido, cambiando las pastillas de la guitarra y del bajo e insertando el órgano entre efectos de ecos y ecualizadores. Pero sobre todo, será quien presente a los Floyd a los componentes del Light and Sound Workshop, quienes con Rip Carter a la cabeza, se ocuparían del fenomenal light show psicodélico con dos inmensos proyectores y más de 400 diapositivas, luces oleosas y líquidas de todo género que acompañarían las actuaciones del grupo, logrando así un espectáculo absolutamente psicodélico, es decir que la totalidad y combinación de luces y sonidos reconstruyan las sensaciones típicas producidas por el LSD 25.

El 25 de octubre de 1966 se dan cita en la Roundhouse londinense 2.500 jovenes para asistir al International Times Launching Party. Pink Floyd Sound & Light son la cabeza del cartel. Todo el Swingin' London está allí, desde Paul McCartney a Mick Jagger o Michelangelo Antonioni, pendientes de lo que ocurre encima del escenario. Pink Floyd de convierten en aquella noche en los cabezas de fila del naciente Flower Power inglés.

Tras unos meses de actuaciones en el UFO Club, local que producía la música más estimulante y avanzada por aquel entonces en Londres, el grupo graba su primer single el 27 de febrero de 1967 en los estudios Sound Techniques de Chelsea. El tema elegido es Arnold Layne, y se lo hacen de un modo totalmente independiente. Peter Jenner comienza a mover la cinta entre las compañías discográficas. Para Robert Stigwood, el grupo necesita madurar aún. Para la Elektra, no tiene ningún futuro. Pero EMI y Decca se los disputan a golpe de talonario.

Es finalmente EMI quien se lleva el gato al agua con un contrato realmente increíble, que preveía un adelanto de 5.000 libras, cifra enorme para la época, y un importante y alto porcentaje por cada copia vendida. Pero la siempre prudente EMI se asusta un poco con la imagen freak pura y dura del grupo, e intentan toda una campaña de prensa para intentar dulcificar la idea que sobre el grupo se había extendido. Campaña que se va al garete en cuanto se publica Arnold Layne, el primer single del grupo, que de inmediato se prohibió en la BBC, Radio London, y en todas las principales estaciones de radio inglesa por el simple pretexto de que la canción describía las manías de ropa de un travesti... Y como siempre, o casi siempre, que surge un escándalo como este en la Perfida Albión, todo el mundo compró el single.

Inglaterra entera había adoptado el jodido disco, y no solo era patrimonio del UFO o del Crawdaddy el poner el single sin tregua, todos los demás clubs se habían puesto al trabajo y toda la Gran Bretaña bailaba el jerk sobre la historia de un travesti, modulada por las inflexiones dementes de la voz de Barrett. El crescendo de guitarras, similar a una montaña rusa, esa pulsación irisada daba una sensación auténtica de júbilo. E, incluso si el I can hear the grass grow de The Move precede al Arnold Layne como primer Hit en single de la Psicodelia Inglesa, este tema se queda en un auténtico pastelazo al lado del milagro Barrett.

Pero pasemos a comentar el primer, único y definitivo álbum que Syd Barrett realizaría con Pink Floyd. The Piper At The Gates of Dawn, grabado durante la misma época en que The Beatles construyesen su mítico Sgt. Pepper.

Barrett y los suyos se encontraron en diversas ocasiones con los cuatro de Liverpool y llegaron a intercambiar impresiones.

The Piper es uno de los símbolos más marcantes de 1967, uno de los años más generosos y ricos en la historia del Rock & Roll. El título del disco venía en un libro para niños muy célebre en Inglaterra, Wind in The Willows de Kenneth Graham y más precisamente de su capítulo séptimo, con el mismo título del Lp. El cuento describía un universo mágico y paralelo donde los cuentos de hadas se unen al misticismo en una sarabanda onírica poblada de gnomos y pequeños animales de mirada turquesa, un mundo en perfecta osmosis con el feeling de Pink Floyd. Por tanto, ¿es preciso ver a Barrett como un poeta de la belleza, del lado de Lewis Carroll y de la tradición totalmente anclada en el subconsciente inglés de los cuentos de feria de la abuelita? De hecho esta increible inspiración nacida de los cuentos de feria y de ese mundo ligado a la infancia que caracterizaba a Syd Barrett, se iba a combinar estrechamente con su propio descubrimiento del LSD.

La primera iniciación al ácido de Barrett fue en el verano de 1964 en el sur de Francia en la compañía del que luego le sustituiría en el seno de los Pink Floyd: David Gilmour. Pero contrariamente a los acid-heads californianos que no encontraban su inspiración si no era mediante LSD, en Syd Barrett toda esta visión se iba a encontrar más profundamente alargada. El ácido no era sino un elemento más aliado a su desmesura, un modo de jugar un poco más a fondo a aprendiz de brujo.

Las letras de The Piper... están llenas de referencias al ácido sin ningún tipo de ambiguedad, en Astronomy domine y Interstellar Overdrive notablemente, pero Barrett miraba también más allá. En Lucifer Sam por ejemplo, intentaban la penetración en un universo retorcido como el del Ocultismo y si bien es necesario ver que su misión es inocente y neófita, así y todo da sensación.

Este puzzle explosionado de acordes y de sólos imbricándose los unos con los otros, incluso sin hablar de las múltiples obsesiones musicales de Barrett que se transparentan aquí y allá (...el grupo Love es una de ellas...), hacen de este Lp uno de los verdaderos ejemplos de 1967, la última experiencia.

En diciembre del mismo año, a la vuelta de una caótica gira norteamericana que había visto presentarse a Pink Floyd en directo en Boston, Nueva York y sobre todo en el Fillmore West de San Francisco, Roger Waters siguiendo los consejos de Andrew King y Peter Jenner expulsa a Syd Barrett del grupo. Al fin y al cabo el mundo del Rock es tan terriblemente conservador que no puede tolerar durante mucho tiempo a un extraterrestre en su seno.

Syd decide volver a vivir a casa de su madre en Cambridge durante dos años, a mirarse a través del espejo en los torbellinos de su alma en sus propios ojos.

"Vivía en la casa de Cambridge. Realmente no era muy divertido, trabajaba en el sótano, pintaba, componía allí en el fondo del sótano." Syd Barrett.

Syd saldrá del sótano en 1970 para publicar su primer disco en solitario: The Madcap Laughs. Durante el curso de estos años de existencia se larvaron algunos ataques de demencia súbita y pasajera como el que le empujó a intentar romperse la cabeza contra un muro, pero a fin de 1969 con la ayuda de David Gilmour y del productor Malcolm Jones, había comenzado las sesiones del álbum.

"Ayudé a Syd porque realmente me gustaban sus canciones y no porque, como supongo que algunos pueden pensarlo, porque me sintiera culpable de haber tomado su lugar en Pink Floyd. Yo quería que él hubiera podido salir con este disco pero al final me vi obligado a tomar las responsabilidades en la mezcla final." David Gilmour

También se sabe que Barrett debió ser ayudado permanentemente por Malcolm Jones durante la grabación. "Me acuerdo que David y Rick Wright me recomendaban siempre protegerle, estar atento a él sin pausa. Siempre me ha rondado la curiosidad de saber si no era debido a que él todavía representaba un buen montón de pasta para EMI, por lo que le producían." Malcolm Jones.

Posible, posible, pero esto no va a ser lo que reduzca la calidad de esa maravilla inmaculada que es The Madcap Laughs. Este disco no tenía que ver gran cosa con el Syd Barrett de 1967. Nada había aquí de esa producción luminosa. Parecía cantar en catalepsia mientras que el conjunto del disco tiene un cierto aire del Folk Cósmico.

En febrero de 1970 poco tiempo después de la salida de este disco, Syd se pone a trabajar en otro álbum. Las primeras sesiones comienzan a fin de mes en los estudios de Abbey Road, para prolongarse hasta agosto con interrupciones debidas a las ausencias de Gilmour y Wright ocupados en preparar la gira americana de Pink Floyd.

Al final el disco combinará material viejo y nuevo (Gilmour afirma que la totalidad del material de los dos lp's de Barrett fue escrito antes de 1968 pero se podría dudar cuando se sabe que, y es confirmado por Malcolm Jones, Syd escribía constantemente con una auténtica bulimia incluso entre dos tomas de estudio.)

Lo que sí es cierto es que Barrett es un disco doloroso que en ciertos momentos refleja realmente el enorme trabajo que debió ser para Gilmour, Jones, y el personal de Abbey Road llegar a dar una coherencia a los diversos antojos de Syd. De ahí ese feeling prefabricado, ese montón de cintas, algunas concretamente geniales como el Bob Dylan Blues pero mutiladas donde se extiende bien la tentativa de unir un grupo detrás de Syd a base de overdubs.

"Debimos inventar diversas técnicas para intentar meter en cinta los temas. Era terriblemente duro, muy muy duro y no se tenía ninguna idea de lo que Syd experimentaba en cada momento. Debíamos pregrabar las bases sin él, a partir de una versión que hubiera hecho. Y después, era preciso sentarle delante de un micro e intentar que tocara y cantara solo, con todos los riesgos que esto podía comportar. Se podía hacer también el rollo inverso, dejarle hacer su número, y después intentar meter las bases. La idea de verle trabajar directamente con un grupo era inconcebible; Syd transformaba continuamente sus temas y no tocaba jamás dos veces una canción del mismo modo. Llegué a pensar que esto era deliberado en él."

Es preciso, por lo tanto, tomar el segundo disco en solitario, Barrett, por lo que no es, es decir, como un mal disco. El lado artificial de su producción no altera para nada su grandeza.

La última aventura musical de Syd Barrett, todo un desafío de equilibrista, fue un grupo casi mitológico que formó en 1971 con otros dos nativos de Cambridge; Jack Monk, un bajista que había tocado con una banda llamada Delivery, y después estaba el batería más alucinado de toda la escena inglesa: Twink Ader, de un glorioso pedigree... Tomorrow, The Pretty Things y Pink Fairies eran sus ex grupos.

A decir verdad fue idea de Twink la de montar un grupo. Nick Kent cuenta que este batería tenía la idea de utilizar la leyenda quasi establecida de Syd Barrett para su interés personal. Pero STARS, así se llamó la banda, fue todo lo contrario a una experiencia satisfactoria gracias, sobre todo, al estado psíquico de Barrett.

Hicieron una serie de actuaciones, pero la más famosa fue la del Corn Exchange de Cambridge, en donde compartieron cartel con MC5. Los testimonios concuerdan en afirmar que la actuación de Stars aquella noche no fue más que pura cacofonía, Barrett salió corriendo del escenario para, de nuevo, enterrarse en vida en el fondo del sótano de la casa de su familia. La primera tentativa de resurreción de Barrett tocaba a su fin. Una conclusión absurda, a mi modo de ver, sobre todo cuando lees lo que contaba Barrett al comienzo de Stars...

"Quiero descubrir ahora con este grupo, si me es posible profundizar en ciertas ideas que me vienen desde el The Piper at the Gates of Dawn" S. Barrett

Recordar a título de curiosidad que Syd Barrett se presentó una sola vez en el London Olimpia en 1970 para promocionar el anterior disco y con una banda de apoyo que incluía a Jerry Shirley y David Gilmour.

Desde entonces Syd se encuentra absolutamente a la deriva, en los confines de la sordidez. De 1972 a 1975, de vuelta a Londres, se instalaba en un apartamento de dos habitaciones en el barrio de Chelsea, del que no sale practicamente más que cuando se lo exigen sus necesidades económicas, para acercarse a Berkeley Square, a la sede de LUPUS Music, la compañía encargada de administrar sus royalties.

También le da la manía de comprar guitarras por docenas. Más inquietante es el rumor de que, en diversas tiendas de ropa de Kings Road, los vendedores habían tomado el hábito de verle llegar, quedarse de pie durante horas en medio de la tienda, quieto y con la mirada fija, sin decir palabra, actitud que finalizaba de repente, partiendo del lugar corriendo. No es preciso ser clarividente para darse cuenta de que la tragicomedia de Syd Barrett olía a chamusquina.

Regresa de nuevo a Cambridge donde desde 1975 en adelante se debate en una existencia cubierta de estancias en clínicas psiquiátricas, incluso con tratamientos a base de electroshocks, como aquel del que informó la prensa amarilla inglesa en 1980.

También aparecieron unas fotografías en la prensa musical de medio mundo en 1982, de muy dudoso gusto. Y lo último que se ha dicho es que se pasa las horas delante de la televisión y que no quiere hacer nada más en su vida. No es difícil delimitar, comprender el alucinante itinerario de Barrett hasta las fronteras prohibidas que separan la razón de la locura; pero es el momento preciso, el disparador que hace que la estabilidad mental bascule, lo que queda como misterio insondable.

¿Por qué Syd Barrett más que Mick Farren, Pete Townshend o incluso Sky Saxon? No, el ácido no volvía clinicamente loco. Si esto hubiera sido el caso, toda una generación hubiera cambiado sus camisas de amebas por otras de fuerza, y quizás todo el mundo hubiera tomado un giro diferente. Gente allegada a Syd Barrett consideraba que su metabolismo era demasiado débil para asimilar cantidades industriales de drogas. Las historias abundan en este sentido, como el episodio de la estancia en Richmond en 1967 en casa de una extraña pareja que tenía la estrafalaria particularidad de azucarar cada mañana el té de Barrett con una fuerte dosis de puro LSD, seguramente a sus espaldas.

O esa anécdota significativa al respecto, ocurrida durante uno de los últimos conciertos de Barrett junto a Pink Floyd: mientras el resto del grupo estaba en el escenario afinando, Barrett seguía en el backstage triturando el contenido de un tubo de Mandrax, y mezclar el resultado con una especie de brillantina, para luego endurecer su pelo con esta abyecta mezcla. Tras recoger su guitarra Telecaster y subirse al escenario, debido al intenso calor de los focos, la combinación brillantina-Mandrax se puso a chorrear sobre su rostro dándole un aspecto de máscara de cera monstruosa del más bello efecto.

En fin, Syd Barrett junto a The Velvet Underground, son dos de los elementos fundamentales de la evolución de la música, desde principios de los 70 hasta ahora, más allá de cualquier revival. Y Syd Barrett es, sin duda alguna... la más grande interrogación del Rock Británico.

Artículo escrito por KIKE TURMIX, años 80
Homenaje a SYD BARRETT...
Homenaje a KIKE TURMIX, Estrella del R & R.

Electrisixties



Contadle a los amigos del Ecos y de La Vieja Ola, esa pequeña gran historia de los Electrisixties que aún no ha sido contada, vale?

Babyface: La pequeña gran historia de ELECTRISIXTIES nace en septiembre del 2008 cuando el Sr Beatpunk con la idea contenida por años de formar una banda Sixties Beat Garage decide llamarme para integrar el proyecto. Desde un principio me interesó la propuesta y de inmediato comenzamos a escribir los primeros acordes de lo que hoy son algunas de nuestras canciones.

Sr Beatpunk: Pensando en guitarristas para sumar al proyecto, aparece en mi cabeza Willie Muff, gran amigo y compositor amante del sonido surf y garage de los 60s que hacía tiempo no veía. Lo curioso del primer encuentro fue que Babyface conocía a Willie hacía años de un hospedaje cercano, donde vivieron en habitaciones contiguas separadas por una madera cubierta de flyers de recitales.

Babyface: Eso fue muy gracioso en el momento. Después de un par de ensayos como trío, llamamos a Frankie Walker, otro amigo músico y compositor. Yo tocaba el bajo en su otra banda. Debutamos en marzo del 2009 y no paramos de tocar desde entonces, puliendo el repertorio show tras show y componiendo nuevas canciones que darán forma a nuestro 1er disco próximo a editarse.

Habrá habido buenos y malos momentos, no?

Willie Muff: La verdad que malos momentos no hemos tenido por suerte. Los buenos momentos son muchos, somos 4 amigos que hacemos lo que más nos gusta y nos divertimos, cada show de ELECTRISIXTIES es un buen momento, ver al público bailar y disfrutar nos hace sentir bien.

En particular la grabación de lo que será el 1er disco fue algo buenísimo, ya que desde el principio teníamos la idea de hacer un disco en vivo en estudio, lo pudimos hacer y nos sorprendió el hecho de tener mejores resultados que lo que grabamos por separado (1er demo/maqueta).

Históricamente hablando, y más allá de los tópicos, ¿qué nos podeis contar de la escena mod y sixties en argentina?

Sr Beatpunk: En Argentina no tuvimos un revival mod a fines de los 70s y en los 80s como se dio en otras partes del mundo ya que estábamos en dictadura y la música era bastante censurada, en el 83 el país estuvo en guerra con Inglaterra y desde ahí se prohibió por completo la música en ese idioma, no había información.

En los 90 comenzaron a surgir algunas bandas bien influenciadas por los 60s, que algunas todavía existen. Actualmente hay una movida que se generó a raíz de shows y festivales de las bandas más características, un par de fiestas del estilo y una radio online. Pero aun así el público es reducido y no tan conocedor.

Cada uno de vosotros podía citar algunos grupos, algunas películas, algunos libros o lo que se os ocurra que nos sirva como pistas?

Babyface: Básicamente hacemos Beat con una pizca de garage, situándolo en años podríamos decir que nos movemos entre el 62 y 66. Bandas como: Dave Clark Five, The Zombies, The Kinks, The Easybeats, The Hollies.

Sr Beatpunk: The Yardbirds, The Mascots, The Juju's, The Roulettes. Somos fans de la infinidad de compilados garage que existen como Pebbles, Nuggets, Back from the Grave, etc.

Willie Muff: Agregaría a Herman´s Hermits, The Turtles, The Troggs. Podríamos estar días nombrando bandas que nos gustan.

Todo modernista tiene un amigo mocker, y mi amigo mocker me ha dicho que tiene curiosidad por saber cómo os llevais con los rollingos???

Willie Muff: No tenemos relación directa, estamos en caminos diferentes, lo que llamas rolingos (acá se dice rolingas) escuchan otro estilo de música, el cual está muy alejado de nosotros e incluso de los Rolling Stones. En Argentina en los 90 surgió un nuevo estilo de rock conocido como rock barrial o rolinga y es muy popular, influenciado sí por los Stones pero conceptualmente discierne bastante. A nosotros nos gusta mucho la primera etapa de los Stones.

¿Qué pensais de los grupos de acá? de las fiestas y eventos? habeis pensado en girar por aquí?

Babyface: Sabemos que hay mucha movida sixties y mod allá como en otras partes de Europa, sería fantástico estar girando por esas latitudes, es un objetivo a cumplir.

Si pienso en el nombre, pienso en una extraña mezcla de electrónica y modernismo, ¿qué creeis?

Willie Muff: El nombre proviene del juego de palabras Electricity (electricidad) y sixties (sesentas), tiene origen en que buscamos recuperar ese sonido eléctrico de principios de los 60s hoy perdido.

¿Teneis grupos o proyectos paralelos? que hace cada uno de vosotros, aparte de la banda?

Sr Beatpunk: Si, hacemos otras cosas además de nuestra banda, lamentablemente en Argentina cuesta vivir de la música y más haciendo algo tan poco popular.

Yo soy diseñador gráfico, también organizo y musicalizo THE FABULOUS 50's and 60's PARTY, tengo mi programa de radio online BEATLAND TRIP en Radio Royale (2 horas puramente música de los 60s por www.radioroyale.com.ar ) y participo como dj en algunas fiestas de la radio. Toqué muchos años en una banda llamada Ubika.

Babyface: Soy artista plástico y toco la guitarra y canto en un dúo de canciones de los 50´s y 60´s "BABYFACE & OLD UNCLE JOHN"

Willie Muff: Yo soy arquitecto, mientras camino por las obras en construcción supervisando, registro las melodías que se me ocurren en mi grabador portátil. Y Frankie Walker es productor musical y canta y toca en su banda paralela La Forma Del Espacio Exterior.

¿Cómo es un concierto de Electrisixties?

Sr Beatpunk: Principalmente divertidos, intensos y bailables, con un gran porcentaje de canciones bien arriba, incluimos bastantes covers bien cuidados, que vamos alternando entre nuestras canciones.

La idea es transportar al público a la década que más nos gusta, partiendo de la presentación del show, el vestuario, la estética en general, los instrumentos, además complementamos con proyecciones de la época. La gente baila sin parar conozca o no el estilo, les atrae, da curiosidad lo que hacemos.

¿Qué podeis contar de las grabaciones en estudio?

Babyface: Hemos estado 2 veces en estudio. A principios del 2009 grabamos nuestra primera maqueta/demo tocando todos por separado y con metrónomo, quedaron bien pero no logramos el sonido y la intensión que queríamos, a partir de eso decidimos grabar nuestro disco en vivo, tocando todos juntos y cantando a la vez. Esto fue en diciembre del 2009 y en breve lo editaremos como disco. Fue realmente una muy buena experiencia.

Sorprende mucho cómo cuidais los detalles de las canciones... ¿creeis en esa canción perfecta que pueda mejorar la vida?

Babyface: Sí, cuidamos bastante los detalles, la mayoría de las canciones pasan por varios estados, filtros y grabaciones previas antes de llegar a la sala, pero también creemos en la magia de la primera impresión con una canción nueva que cobra forma a los minutos de estar tocándola y nos hace pensar en que es la canción perfecta que nos da energía para seguir adelante y creer aún más en lo que hacemos.

Recomendad a quien lea esta entrevista algun grupo que os haya gustado mucho en los ultimos años, ok?

Sr Beatpunk: En particular no estoy escuchando mucha música nueva o de los últimos años, me ha gustado bastante el primer disco de The Madd y algo de Mark and The Spies (ambas bandas holandesas). The Staggers también Kaiser George and the Hi-Risers por nombrar algunas.

De las nuevas bandas inglesas lo que más rescato es The Last Shadows Puppets.

Babyface: Comparto con el Sr Beatpunk.

¿Buscais una huída de los típicos tópicos o no?

Willie Muff: La verdad que en las letras no intentamos huir de la lírica beat de principios de los 60s, al contrario, por el momento nuestras canciones siguen la temática clásica: canciones de amor y desamores, es inevitable que con el tiempo las composiciones evolucionen hacia otros aspectos de la vida.

Musicalmente, mas allá de los estilos en los que nos movemos logramos nuestra propia identidad.

Una última pregunta: ¿cómo reacciona la gente que os ve? hay club de fans? groupies? y esos uniformes quien los hizo?

Sr Beatpunk: El público reacciona super bien, se divierte muchísimo y se sorprende. Tenemos ya nuestro propio público que nos sigue a cada show.

El diseño de los uniformes está inspirado en los shea-jacket que usaron Los Beatles en el mítico show que dieron en el Shea Studium en el 65 y los fabricó una vestuarista que conocemos.

Espacio para, en completa libertad, decid lo que querais... gracias por todo! un placer!!

Primeramente agradecerte por la entrevista y por la buena onda de siempre, esperamos que haya muchos años más de Ecos, el placer es nuestro.

Somos chicos beats en la era de la PC felices de recrear la música de esta década tan importante y no vamos a parar de hacerlo. Muevan sus flequillos al son de ELECTRISIXTIES!!!


ELECTRISIXTIES:
  • BABYFACE: Voz y Bajo
  • WILLIE MUFF: Guitarra, Fuzz y Coros
  • FRANKIE WALKER: Voz, Guitarra Eléctrica y Acústica
  • SR BEATPUNK: Batería y Percusiones.

GET READY TO BEAT!!!

www.facebook.com/ELECTRISIXTIES

sábado, 19 de octubre de 2013

Los jóvenes airados. Free Cinema

El Free Cinema británico es uno de los grandes movimientos culturales de los años 60 y se presenta más comprometido socialmente que la Nouvelle Vague francesa. En las primeras películas surgidas en este movimiento se observa una voluntad de trastornar los tabúes sociales de la respetable sociedad inglesa y que arraigan en las clases menos privilegiadas, hasta entonces ausentes en las películas e incluso en las novelas.

El Imperio se iba rompiendo con la aparición de un grupo de jóvenes artistas que fueron conocidos como "The Angry Young Men"; esto es: Los Jóvenes Airados. Tampoco cabe duda que esta denominación es un poco general, si se considera la diversidad ideológica de los artistas a quienes clasificaba.

Sin embargo, novelistas como Allan Sillitoe, Doris Lessing, Colin Wilson; dramaturgos como John Osborne, Arnold Wesker y Anne Jellicoe; un crítico de teatro como Kenneth Tynan, y un crítico y realizador cinematográfico como Lindsay Anderson, podían ser clasificados bajo esa etiqueta ya que su plan era el mismo: innovar la literatura, el teatro y el cine británicos mediante una óptica socialista que exigía la necesidad de mostrar la Inglaterra que no salía en las postales para turistas.

Todas sus obras destacan por la imposición de un ambiente determinado -los suburbios de las grandes ciudades- así como por la mitificación de un nuevo prototipo: el héroe o heroína de ascendencia proletaria, el representante de la working class elevando su voz para protestar por su vida o luchar por mejorar su condición social. Se trataba de personajes reales como la vida misma, una especie de Neorrealismo británico totalmente opuesto a la irrealidad del viejo cine de las Islas.


Cuando Lindsay Anderson decía: "LO QUE DE VERDAD IMPORTA ES LA ACTITUD, PUES DE ELLA NACE EL ESTILO.", no hacía sino definir las raíces del Free Cinema, el Cine Libre, que buscaba el realismo al mismo tiempo que rechazaba el capricho y la improvisación, alejándose de sus colegas franceses.

Lindsay Anderson destaca entre la lista de nuevos cineastas gracias al famoso manifiesto llamado: "¡Salga y Empuje!"; que reclamaba para el cine inglés un mayor compromiso con la realidad diaria.

Empezó con varios documentales y su primer largometraje fue el drama: "THIS SPORTIN LIFE", 1963, con Richard Harris en el papel de un minero muy agresivo que es arrancado de su ambiente para convertirlo en jugador de rugby.

Pero fue la segunda película de Anderson la que más virulencia tuvo hacia los valores tradicionales. Era "IF...", 1968, donde se relata la pequeña revolución de unos colegiales en un centro universitario inglés. Este título sigue manteniendo intacta su carga social y, con el resto de su carrera, Anderson demostró su compromiso con el Free Cinema. Seis películas en 25 años.

Particularmente, me gusta mucho también "O LUCKY MAN", 1973, con una banda sonora fantástica.

Otro máximo referente del Free Cinema fue KAREL REISZ; checoeslovaco emigrado a Inglaterra tras la muerte de sus padres en un campo de concentración nazi. Reisz venía de la teoría cinematográfica, sus colaboraciones con las revistas "Sight & Sound" o la mítica "Sequence" son de mucho prestigio, aún hoy en día. También el libro "THE TECHNIQUE OF FILM EDITING" de Reisz es pieza clave del movimiento.

Con su primera película, "SATURDAY NIGHT AND SUNDAY MORNING", 1960, consiguió transmitir las frustraciones del jóven proletariado inglés a través de un personaje que bordó Albert Finney.

Con el mismo actor y una técnica neoexpresionista realizará "NIGHT MUST FALL", 1964, y después "MORGAN, A SUITABLE CASE FOR TREATMENT", 1966, en donde aparece la siempre bella Vanessa Redgrave. También con ella rodó "ISADORA", 1968... Gran película a pesar de que fue un fracaso en su momento de estreno.

Tony Richardson es para muchos el más emblemático de los directores de este cine libre. Venía del teatro y de la crítica, y su asociación con el dramaturgo John Osborne fue muy comentada. El personaje de Jimmy Porter -Richard Burton- en "LOOK BACK IN ANGER", 1959, se consideró como el gran ejemplo de Jóven Airado. Richardson siempre se basaba en obras literarias o teatrales y les sacaba provecho.

La fama le llegó con "TOM JONES", 1963, que fue muy popular y el escándalo le llegó con la adaptación de una obra teatral de la joven autora SHELAG DELANEY que trastornaba los conceptos puritanos de la moral inglesa, era "A TASTE OF HONEY", 1961.


Por último destacar "THE LONELINESS OF THE LONG DISTANCE RUNNER", 1962, con conexiones con "IF..." de Anderson, y dándole un golpe al toque fascista de ciertas instituciones. Richarson fue el primero en trabajar con Hollywood.

También hubo algunos cineastas-satélite que simularon incorporarse al Free Cinema, picoteando de su ideario cinematográfico y social. Algunos ejemplos serían:

  • "ROOM AT THE TOP", 1958, de Jack Clayton.

  • "A KIND OF LOVING", 1962, de John Schlesinger

  • "BILLY LIAR", 1963, de J. Schlesinger

  • "THE KNACK... AND HOW TO GET IT", 1965, de Richard Lester


El Free Cinema no fue tan solo cosa de directores. Actores y actrices como el ya citado Albert Finney, el maravilloso Tom Courtenay, mi querida Rita Tushingham, el antipático Alan Bates, las misteriosas Susannah York y Mona Washbourne, David Warner, Terence Stamp, el grande de los grandes Michael Caine, entre otros.

También nombrar al director de fotografía WALTER LASALLY, músicos como JOHN ADDISON o directores artísticos como TED MARSHALL... Todos integrantes de un movimiento que nace con vocación compacta y unitaria. No hay que olvidar que la convivencia artística fue fluida e intensa entre la mayoría de ellos, por lo menos por unos años... Antes de la tentación hollywoodiense.

La verdad es que a partir de 1964 la nueva promoción de cineastas estaba más pendiente de encontrar un compromiso entre calidad artística y espectáculo, pero siempre hubo ciertas excepciones. "WOMEN IN LOVE", 1969, de Ken Russel y antes de que se lanzara a todas esas películas biográficas... Cineastas como ANTHONY HARVEY, DON LEVY y PETER WATKINS, del que "PRIVILEGE", 1967, ha quedado como crítica de las manipulaciones del Capitalismo hacia un cantante Pop -Paul Jones-.

En la misma línea estaba el título "EXPRESSO BONGO", 1959 del afamado productor de serie B, Val Guest, con LAURENCE HARVEY haciendo de agente artístico en plan pícaro.

Antes de escribir este artículo me prometí a mí mismo no hablar de Cliff Richards, con aquellas películas tan alejadas de todo lo que significaba el Free Cinema... No le sirve ni que rodase un título en las Islas Canarias!!

Dos títulos finales a nombrar serían la famosa "PERFORMANCE", 1970, de Donald Cammel y Nicholas Roeg, con Mick Jagger y James Fox y toda esa mitología espiritualista de la época en clave experimental... y "SHAKESPEARE WALLAH", 1965, de James Ivory, retratando una compañía de teatro que recorre Inglaterra, con el estallido del Swingin London rondando.

Hay imágenes que no se olvidan, como JULIE CHRISTIE en "DARLING", 1965, de J. Schlesinger... El eterno arribismo social de "NOTHING BUT THE BEST", 1963 de Clive 'The Caretaker' Donner... la inquietante "THE WAR GAME", 1966, de Peter Watkins... incluso los FAB FOUR y sus locuras.

Solo he hablado de cine, pero seguro que recuerdas a algún jóven airado que, en su disciplina artística, trató de contar las cosas como las veía y no como las soñaba. Sirva este artículo como homenaje a todos esos artistas que cuentan la realidad que nos rodea y que critican la sociedad que nos ha tocado vivir... Y por supuesto: Para ellos... Los Working Class Hero.

Ingrid Bergman

"Ingrid Bergman, Ingrid Bergman
let's go make a picture
on the island of Stromboli, Ingrid Bergman.
Ingrid Bergman, you're so perty
You'd make any mountain quiver
You'd make fire fly from the crater,
Ingrid Bergman.
This old mountain it's been waiting
all its life for you to work it,
for your hand to touch its hard rock,
Ingrid Bergman, Ingrid Bergman,
if you'll walk across my camera
I will flash the world your story,
I will pay you more than money,
Ingrid Bergman.
Not the pennies, dimes or quarters
but with happy sons and daughters.
And they'll sing around Stromboli,
Ingrid Bergman...

LETRA: Woody Guthrie, 1950

Ingrid Bergman nació en Estocolmo el 29 de Agosto de 1915 y fue la hija única de Justus Bergman y Friedel Adler. Sus padres murieron siendo Ingrid una niña, con 2 y 12 años respectivamente. Así que se fue con una tía viuda que murió en sus brazos a los seis meses. La criaría otra tía que tenía 5 hijos y que se burlaban de su timidez y su torpeza. Todo esto la hizo retraerse y quedarse en un mundo propio. Ya desde entonces tomó la decisión de hacerse actriz.

Sus padres le habían dejado algo de dinero y así pudo entrar en el Liceo Femenino, en donde conoció la historia de otra mujer que le fascinó desde entonces: Juana de Arco.


Con 18 años se presentó al examen de selección para la beca del The Royal Dramatic Theatre School, una de las mejores escuelas de Europa. Su testarudez convenció a sus tíos para que le dieran permiso de hacer esta prueba y la aprobó. Se matriculó en el Curso Académico de 1933-1934, y muy poco después conocería al que iba a ser su primer marido: Peter Lindstrom, mayor que ella y que iba a ser una especie de manager y asesor de su carrera. Tras un año en la escuela de Arte Dramático empezó su interés por el cine.

Debutó en el cine sueco en 1934 con "Munkbrogreven", de los directores Edvin Adolphson y Sigurd Wallen y firmó un contrato con la productora Svenskfilmindustri. Su belleza juvenil y su buena actuación llamó la atención de la crítica. Tras un segundo título llamado: "Branningar" (1935) de Ivar Johannson es votada como la actriz más prometedora del cine sueco. Al mismo tiempo, Gustaf Molander, un talentoso director sueco se fija en ella y trabajarían juntos en varias películas, en las cuales su participación y talento iría creciendo.

Gosta Ekman, el actor sueco del momento le enseñó todos los trucos interpretativos. Los papeles que Ingrid Bergman encarnó en las 10 películas que rodó de 1934 a 1939 fueron todo un reto para ella. Hizo todo tipo de mujeres, y su seguridad y belleza eran su sello.

Tenía unas parientes en Alemania y allí rodó: "Der Vier Gesellen" (1938) de Carl Frolich para la U.F.A, la famosa productora alemana. En cualquier caso, las películas que la dieron a conocer en Hollywood fueron: "Intermezzo" (1936) de Gustaf Molander y "Un Rostro de Mujer" (En Kvinnas Ansikte) también dirigida por G. Molander y cuya versión norteamericana haría Joan Crawford.

Fue Kay Brown, la representante de los Hermanos O'Selznick en Nueva York quien la vio en la gran pantalla y pensó que aquella actriz y bella mujer tenía que ir a los Estados Unidos. Tras algunas dudas en dejar su carrera en Suecia y viajar con su primera hija (Friedel Pia), así como el idioma y el mundillo de Hollywood, Ingrid Bergman llegó en Mayo de 1939 a Nueva York para rodar un remake de "Intermezzo", la película sueca que había recibido buenísimas críticas. Esta vez, acompañada por Leslie Howard en la historia de la pianista primeriza y el consagrado violinista que se enamoran perdidamente y con la dirección de Gregory Ratoff (sin olvidar las lecciones de Ruth Roberts, profesora de Inglés de la Metro).

La película es un gran éxito y la gran naturalidad, elegancia, inteligencia, sensibilidad y encanto de Ingrid Bergman, la convierten en uno de los rostros del momento.

Vuelve a Suecia en el Verano de 1939 pero entonces estalla la 2ª Guerra Mundial y su marido le aconseja que vuelva a America. En proyecto estaba rodar su Juana de Arco pero David O'Selznick no está por la labor, a pesar de que se ha ocupado de dar una imagen de mujer casada y respetable de Ingrid. Incluso le dice a la actriz que en esos momentos no tiene en sus manos ningún guión adecuado para ella. Esa inactividad es aprovechada por la actriz para ver todas las películas que se estrenan, así como las obras de teatro. Habla con O'Selznick para que la deje hacer teatro y éste acepta ante su insistencia. Otro reto para la actriz.

En Marzo de 1940 debuta en Broadway con "Lilliom" y con Burguess Meredith como antagonista. Fue un éxito inmediato y la crítica teatral elogia su técnica. En Septiembre de 1940 O'Selznick permite a la actriz que colabore con la Columbia en la película: "Adam had four sons" (1941) de Gregory Ratoff con Warner Baxter ("La Calle 42") y Susan Hayward en los otros papeles. En Noviembre del mismo año vuelve a ser cedida a la M.G.M. para actuar en otra película que se llama: "Rage in Heaven" (1941) de W.S. Van Dyke (director a reivindicar) junto a Robert Montgomery y el siempre elegante George Sanders. Estas películas pasaron casi desapercibidas pero no las actuaciones de Ingrid Bergman, que seguía subyugando a la crítica especializada. La actriz luchó para que le dieran el papel de Ivy (la prostituta) en una nueva versión del mito de Jeckyll y Hyde: "El Extraño Caso de Jeckyll & Hyde" (1941) dirigida por Victor Fleming y protagonizada por Spencer Tracy y Lana Turner. O'Selznick quiso en un principio que Ingrid hiciera el otro papel, pero la actriz insistió. Este supuso el primer contacto de Ingrid con Victor Fleming; 7 años después rodarían, por fin, su Juana de Arco.

Durante esta época, su marido se había reunido ya con ella y se van a vivir a Rochester, cerca de la Universidad donde éste iba a seguir con sus estudios de medicina y rodeados de todo ese mundo universitario. Aburrida por no tener demasiado trabajo, hace sus visitas a Nueva York yendo a teatros y museos. O'Selznick seguía siendo muy exigente con los guiones que le llegaban a la actriz pero ésta no quería que pasara mucho tiempo entre película y película, así que volvió a conseguir que el productor pusiera en los escenarios la obra: "Anna Christie" (Greta en el cine), y que se estrenó en Agosto de 1941. Otra vez las críticas fueron espléndidas.

Por fin iban a llegar los dos títulos que la convertirían en toda una estrella de Hollywood. Primero una cesión a la Warner Brothers: "Casablanca" (1942) de Michael Curtiz. El Mito hecho Película. O'Selznick convenció a la actriz a trabajar en este título ya que Ingrid no estaba segura. Una de las razones para decir que sí fue que su partenaire; Humphrey Bogart también había hecho teatro.

El otro título fue: "Por quién doblan las campanas" (1943) de Sam Wood, basada en la novela, "For Whom The Bell tolls" de Ernest Hemingway. Ingrid Bergman presionó insistentemente a O'Selznick y a Paramount Pictures para conseguir el papel, que en un principio iba a ser para Vera Zorina; más conocida como bailarina que como actriz. Un golpe de suerte le iba a brindar ese papel que le trajo una nominación para el Oscar y el cariño de todo el público... ¡¡Aquel maravilloso corte de pelo!!!

Durante la 2ª Guerra Mundial, Ingrid Bergman realizó una serie de giras por diversas bases militares para entretener a las tropas. Además intervino en una película documental de la Oficina de Información de la Guerra: "Swedes in America", que mostraba la forma de vida de los suecos afincados en Minnesota.

En el Verano del 45, poco después de la victoria en Europa, realizó otra gira por campamentos militares en Alemania, en los que leyó extractos del guión de Juana de Arco a los soldados, mientras les describía escenas y situaciones. También encontró tiempo para aparecer en la radio, concretamente en 1944, junto a Ronald Colman en "Death Takes a Holiday", que había dirigido Mitchell Leisen 10 años antes en el cine.

A finales de 1943 comenzó a trabajar en "Luz que agoniza" (1944) de George Cukor junto a Charles Boyer y en la M.G.M. Su fuerza emotiva y poder hipnótico le hicieron ganar el Oscar a Mejor Actriz de 1944.

En los años siguientes se estrenaron las películas que ya le llevarían a la fama definitiva. "Spellbound" (1945) con Alfred Hitchcock, "Las Campanas de Santa Maria" (1945) de Leo McCarey y que era una cesión a la RKO y "La Exótica" (1945) de Sam Wood.

La última película en la que intervino bajo el antiguo contrato que le unió a O'Selznick Pictures fue la obra maestra: "Encadenados" (1946) otra vez con Hitchcock, otra vez para la RKO. Ingrid Bergman tenía la sensación de que el magnate de Hollywood se había aprovechado de ella y que le daba los mejores papeles a Jennifer Jones, con la que David O'Selznick se casó tiempo después.

Durante 1946, Ingrid Bergam volvía a triunfar en los teatros con una adaptación de una de sus obsesiones: "Joan of Lorraine" (La Doncella de Orleans). En 1948 rodó: "Arco de Triunfo" de Lewis Milestone, un título no muy reconocido o citado como copia de "Casablanca", pero es tan grande como todas las anteriores y crece con cada revisión. Otra vez con Charles Boyer en una historia genial de personajes que huyen de la guerra, de la resistencia al fascismo y el amor a través de los problemas.

Su vida matrimonial con Peter Lindstrom casi no existía y durante el rodaje de este título quiso divorciarse, pero ambos aguantaron un poco más. Aquel contrato con O'Selznick había acabado y era su marido el que le ayudaba a tomar decisiones, de las que la actriz se iba a hartar muy pronto.

El siguiente proyecto fue la versión cinematográfica de su querida Juana de Arco. Producida por la corporación formada por Walter Wanger, que puso muchísimo dinero, y la actriz y su aún marido. La película triunfó en Europa pero fracasó en los Estados Unidos.

Ingrid Bergman se había hecho buena amiga del fotógrafo Robert Capa y éste le habló de Roberto Rossellini, Padre de la Escuela Neorrealista Italiana de Postguerra y que había causado sensación con sus películas. La actriz vio: "Roma, citta aperta" (1945) y se quedó impresionada por su crudo realismo. Después de ver "Paisa" en 1948, le escribió una carta al cineasta que decía lo siguiente:

"He visto sus películas y me han gustado mucho. Si necesita una actriz sueca que sabe hablar bien inglés, que no ha olvidado el alemán, que no resulta muy comprensible en francés y que en italiano lo único que sabe decir es: "Ti Amo", estoy dispuesta a hacer una película con usted...
Afectuosamente, Ingrid Bergman."

En el Verano de 1948, Ingrid Bergman fue a Inglaterra para rodar "Atormentada" de Hitchcock. Durante el rodaje conoció a Rossellini, y junto a su marido llegaría a un acuerdo para producir: "Stromboli, terra de dio" (1950) -(Howard Hughes ayudó en la financiacion).

En 1949, Rossellini viajó a Hollywood y siguieron hablando de la película. En Marzo del mismo año, Ingrid Bergman viajó a Italia para el rodaje. Una vez más, la película triunfó en Europa y, con un montaje diferente, fracasó en los Estados Unidos. Hollywood estaba más pendiente del escándalo de Bergman-Rossellini... ¡Maldita Louella Parsons!!

Ya divorciada, se casaron en Juarez, Mexico. El supuesto escándalo cesó en Junio de 1952 cuando nacieron las dos hijas gemelas: Isabella e Isotta.

El período con Roberto Rossellini empezó con "Stromboli", siguió con "Europa 1951", después con uno de los episodios de "Siamo Donne" (1953), así como "Viaggio In Italia" (1954) (Te querré siempre), maravillosa junto a George Sanders otra vez. Le siguió un montaje teatral llamado: "Giovanna D'arco al Rogo" (1954), basado en su personaje favorito. Por último, "La Paura" (1955). Películas Modernas para aquel tiempo en que Ingrid Bergman fue feliz, por fin. Tal vez demasiado Modernas, nunca demasiado feliz.

En 1955, harta de estar sin dinero y convencida de que nunca lograría una película de éxito de público y crítica con Rossellini, intervino en "Elena y Los Hombres" de su amigo Jean Renoir. El título en inglés fue: "Paris Does Strange Things".

Al año siguiente protagonizó "Té y Simpatía" en los escenarios de Paris; un papel que haría Deborah Kerr en la gran pantalla.

El regreso de Ingrid Bergman a Hollywood fue en 1956; otra vez apareció Kay Brown con una oferta, esta vez de la 20th Century Fox, para protagonizar "Anastacia" de Anatole Litvak. Con ella ganaría su 2º Oscar, con ella triunfó y le daría en toda la cara a muchos.

En 1957, su matrimonio con Roberto Rossellini se había ido a pique; talento y orgullo les hicieron incompatibles.

Al año siguiente su amiga Kay Brown le presentó a Lars Schmidt, un empresario teatral sueco... Se casarían a finales de año.

Las siguientes películas fueron: "Indiscreet" (1958) de Stanley Donen y su reencuentro con su amigo Cary Grant; después "El Albergue de la Sexta Felicidad" de Mark Robson y basada en la maravillosa novela de Alan Burguess; le siguieron "No me digas que no" (1961) de Anatole Litvak con Ives Montand y Anthony Perkins; y una versión cinematográfica de la obra de teatro de Friederich Duerrenmatt, "La Visita del Rencor" (1964) de Bernhard Wicki y acompañada por Anthony Queen. Sirva como dato que Duerrenmatt escribió el argumento de la película "El Cebo" de Ladislao Vajda.

En 1965 participa en "The Yellow Rolls-Royce", del director británico Anthony Asquith y junto a Omar Shariff, el actor de moda. También volvería a participar en una película de capítulos llamada "Stimulantia" (1967) y que era su vuelta al cine sueco después de 20 años. En este título se reencuentra también con Gustaf Molander y Gunnar Bjornstrand, los cineastas suecos que vieron sus comienzos.

De regreso a los Estados Unidos interviene en dos títulos para la Columbia: "Cactus Flower" (1969) de Gene Saks y con Goldie Hawn y el siempre genial Walter Matthau en una comedia moderna. Las dos actrices bailan un frenético boogaloo en una discoteca... ¡¡Histórico!!

Con 54 años, Ingrid Bergman irradiaba esa típica calidez que la acompañó durante toda su carrera. Categoría de Reina. A continuación protagonizó: "Secretos de Esposa" (1970) de Guy Green -(A Walk in The Spring Rain), otra vez junto a Anthony Queen en una especie de remake de "Brief Encounter" (1946), David Lean.

Ya desde la década de los 60 también hizo mucha televisión y volvió al teatro, destacando en "Hedda Gabler" de Ibsen. Llevaba mucho tiempo sin parar: Paris-Los Angeles-Nueva York-Londres... A partir de entonces, en los últimos 12 años de su vida, Ingrid Bergman fue reduciendo, poco a poco, sus apariciones en las pantallas.

En 1973 aceptó un pequeño papel de 25 minutos en "From The Mixed Up Files of Mrs. Basil E. Frankweiler", dirigida por Fielder Cook. Un título sobre dos niños que hacen una visita al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York y dejan libre su imaginación. La actriz le tenía un cariño especial a esta película.

Al año siguiente aceptó otro papel corto; el de misionera sueca de caracter neutral en "Asesinato en el Orient-Express" de Sydney Lumet. Y con esta intervención ganó su 3er Oscar, esta vez como secundaria. Cuando le dieron el premio en la Ceremonia de Entrega y le tocó dar su discurso, Ingrid dijo humildemente que sus compañeras se lo merecían más que ella, y pidió un aplauso como reconocimiento.

En 1976 llegó: "A Matter of Time" de el gran Vincente Minnelli. En España tuvo el título de "Nina", y allí está Liza Minnelli como una especie de "Cenicienta", y el reencuentro de Ingrid Bergman y Charles Boyer en unas escenas crepusculares llenas de romanticismo. La crítica masacró esta película pero La Vieja Ola se queda con esta frase que dice la actriz:

"EL TIEMPO NO EXISTE: NADIE MUERE A NO SER QUE NOSOTROS LO DESEEMOS ASÍ."

Una de sus gemelas, Isabella, tenía un pequeño papel en este título.

Dos años más tarde llegaría: "Sonata de Otoño", dirigida por su compatriota Ingmar Bergman. La actriz interpreta a una pianista ególatra que trata de reconciliarse con su hija, Liv Ullman, y que tiene unas extrañas reminiscencias con "Intermezzo". Fue su último gran triunfo en la gran pantalla, tanto de público como de crítica. Su talento y su memoria sorprendió a todos sus compañeros y se llevó estupendamente con el director. No había dejado de hacer pequeños papeles en obras de teatro de Bernard Shaw, Sommerset Maughan, N.C. Hunter y otros. La crítica se sorprendía de su elecció n en los papeles,como si Ingrid fuese eligiendo extrañamente.

En 1975 su matrimonio con Lars Schmidt se rompe en secreto: Ingrid Bergman se dedica a sus hijos, nietos y a su profesión: Actuar.

En 1979 fue la anfitriona del homenaje a Alfred Hitchcock que se emitió desde Hollywood; las escenas de cariño y amistad entre el director y la actriz dieron la vuelta al mundo... ¡¡¡Hitch emocionado e Ingrid abrazándolo como si fuera un niño!!!

Por fin, en 1982, la televisión le proporcionaría su último gran papel: "A Woman Called Golda" de Alan Gibson. Su interpretación de la primera ministra Golda Meir dejó anonadados a todos en el set del rodaje. No se sabía cuando acababa el personaje y empezaba la actriz. A pesar de que se encontraba muy débil por el cáncer que padecía, no se notó en el rodaje y ganó el Premio Emmy de Mejor Actriz.

Cuando falleció el 29 de Agosto de 1982 a los 77 años, Ingrid Bergman tenía una de las reputaciones más distinguidas del Séptimo Arte. Los papeles que desempeñó en sus 46 películas, 11 obras de Teatro y 5 dramas para la televisión, reflejan su versatilidad, su sencillez y gran estabilidad, así como su belleza y su complejidad técnica. Un ser humano risueño, vital y con los pies en el suelo... Una Pionera.

"Es importante vivir al máximo la parte de la vida que te ha sido asignada. Es algo demasiado valioso como para desperdiciarlo. La vida, sea larga o corta, es un don que hay que apreciar, saborear y saber utilizar."

Ingrid Bergman, 1974

En su recuerdo...

UN ARTÍCULO DE LA VIEJA OLA...