martes, 29 de octubre de 2013

Syd Barrett, la espinaca humana

"In my paisley shirt. I look a jerk. And my turquoise waistcoat is quite out of sight. But... oh!... oh!... my haircut looks so ba-ad. Vegetable Man, where are you? Vegetable Man... Ah... aha... ha... haha... ha..."

Sirvan de introducción estos versos extraidos del fantástico outtake de Pink Floyd Vegetable Man, incluido en el pirata Unforgotten Hero, y posteriormente versioneado por Jesus & The Mary Chain y The Soft Boys. Y no solo es a ellos a quien influencia definitivamente la obra de Syd Barrett.

Corre el año 1964, y no hay nada que diferencie realmente a The Abdads del resto de las bandas salidas de las Art Schools londinenses. Tanto ellos como The Banshees de Bryan Ferry, The Soft Machine y tantos otros flasheaban con Jimmy Reed y el R&B en general, la gran tendencia del momento en Inglaterra. El bajista de The Abdads, Roger Waters, atrae por amistad al seno del grupo a un enigmático guitarrista de ojos verdes que desde Cambridge había llegado a una escuela de arte del sur de Londres: la Camberwell School of Art, era Syd Barrett.

"Lo que me hizo venir a Londres fue la pintura. Antes no había hecho nada importante en el terreno musical. Justamente llegué a tomar parte de un grupo de Cambridge al comienzo de los 60: Geoff and The Mottoes. Después de tres años en Londres, comencé a tocar con The Abdads. Y definitivamente, Bo Diddley era mi mayor influencia en ese momento." Syd Barrett.

No hace falta decir que a partir de aquel día la óptica de los Abdads se transforma de un todo por el todo bajo la influencia del temperamento hipercreativo de Barrett. El sonido de Pink Floyd había nacido, y el grupo se mueve durante casi dos años por el circuito limitado de los colegios de arte, no sin antes haber tomado cuidado de librarse del guitarrista Robert Close, que tocaba demasiado limpio para lo que pretendía el grupo.

De un R&B más o menos académico, Pink Floyd-Abdads habían pasado a hacer una especie de free-form rock que mezclaba a Bo Diddley con un freak-out generalizado. Syd no se olvida jamás de acabar sus actuaciones en directo con reverberantes versiones del clásico Louie Louie y Roadrunner que les dejaba explotar en un enorme feedback subsónico sobre unos despavoridos estudiantes a quienes tenían como público.

Un elemento fundamental en la evolución musical de Pink Floyd es la toma de contacto en la primavera de 1966 con Peter Jenner. Este anónimo muchacho londinense fue el revulsivo principal para la creación del sonido del grupo. Jenner había seguido durante meses por todos los Estados Unidos a The Velvet Underground intentando convencerles infructuosamente de que le encargaran la producción. Decepcionado tras la elección de Andy Warhol por parte de Lou Reed, John Cale y compañía, Jenner regresa a Inglaterra decidido a revelar a algún grupo británico los secretos del extravagante grupo neoyorquino.

Y una noche de la primavera de 1966, Jenner ve en directo en el mítico local del número 99 de Wardour Street: el Marquee, a los Pink Floyd, llevados allí por el entonces manager del local Steven Stollman, alertado por los incesantes rumores que corrían sobre ellos. Peter Jenner lo tiene claro. En sociedad con Andrew King ofrece un contrato de management al grupo, contrato que los Pink Floyd aceptan, y del que saldrá un acuerdo con EMI del que hablaré mas tarde.

Jenner también les revelará los secretos para perfeccionar su nuevo sonido, cambiando las pastillas de la guitarra y del bajo e insertando el órgano entre efectos de ecos y ecualizadores. Pero sobre todo, será quien presente a los Floyd a los componentes del Light and Sound Workshop, quienes con Rip Carter a la cabeza, se ocuparían del fenomenal light show psicodélico con dos inmensos proyectores y más de 400 diapositivas, luces oleosas y líquidas de todo género que acompañarían las actuaciones del grupo, logrando así un espectáculo absolutamente psicodélico, es decir que la totalidad y combinación de luces y sonidos reconstruyan las sensaciones típicas producidas por el LSD 25.

El 25 de octubre de 1966 se dan cita en la Roundhouse londinense 2.500 jovenes para asistir al International Times Launching Party. Pink Floyd Sound & Light son la cabeza del cartel. Todo el Swingin' London está allí, desde Paul McCartney a Mick Jagger o Michelangelo Antonioni, pendientes de lo que ocurre encima del escenario. Pink Floyd de convierten en aquella noche en los cabezas de fila del naciente Flower Power inglés.

Tras unos meses de actuaciones en el UFO Club, local que producía la música más estimulante y avanzada por aquel entonces en Londres, el grupo graba su primer single el 27 de febrero de 1967 en los estudios Sound Techniques de Chelsea. El tema elegido es Arnold Layne, y se lo hacen de un modo totalmente independiente. Peter Jenner comienza a mover la cinta entre las compañías discográficas. Para Robert Stigwood, el grupo necesita madurar aún. Para la Elektra, no tiene ningún futuro. Pero EMI y Decca se los disputan a golpe de talonario.

Es finalmente EMI quien se lleva el gato al agua con un contrato realmente increíble, que preveía un adelanto de 5.000 libras, cifra enorme para la época, y un importante y alto porcentaje por cada copia vendida. Pero la siempre prudente EMI se asusta un poco con la imagen freak pura y dura del grupo, e intentan toda una campaña de prensa para intentar dulcificar la idea que sobre el grupo se había extendido. Campaña que se va al garete en cuanto se publica Arnold Layne, el primer single del grupo, que de inmediato se prohibió en la BBC, Radio London, y en todas las principales estaciones de radio inglesa por el simple pretexto de que la canción describía las manías de ropa de un travesti... Y como siempre, o casi siempre, que surge un escándalo como este en la Perfida Albión, todo el mundo compró el single.

Inglaterra entera había adoptado el jodido disco, y no solo era patrimonio del UFO o del Crawdaddy el poner el single sin tregua, todos los demás clubs se habían puesto al trabajo y toda la Gran Bretaña bailaba el jerk sobre la historia de un travesti, modulada por las inflexiones dementes de la voz de Barrett. El crescendo de guitarras, similar a una montaña rusa, esa pulsación irisada daba una sensación auténtica de júbilo. E, incluso si el I can hear the grass grow de The Move precede al Arnold Layne como primer Hit en single de la Psicodelia Inglesa, este tema se queda en un auténtico pastelazo al lado del milagro Barrett.

Pero pasemos a comentar el primer, único y definitivo álbum que Syd Barrett realizaría con Pink Floyd. The Piper At The Gates of Dawn, grabado durante la misma época en que The Beatles construyesen su mítico Sgt. Pepper.

Barrett y los suyos se encontraron en diversas ocasiones con los cuatro de Liverpool y llegaron a intercambiar impresiones.

The Piper es uno de los símbolos más marcantes de 1967, uno de los años más generosos y ricos en la historia del Rock & Roll. El título del disco venía en un libro para niños muy célebre en Inglaterra, Wind in The Willows de Kenneth Graham y más precisamente de su capítulo séptimo, con el mismo título del Lp. El cuento describía un universo mágico y paralelo donde los cuentos de hadas se unen al misticismo en una sarabanda onírica poblada de gnomos y pequeños animales de mirada turquesa, un mundo en perfecta osmosis con el feeling de Pink Floyd. Por tanto, ¿es preciso ver a Barrett como un poeta de la belleza, del lado de Lewis Carroll y de la tradición totalmente anclada en el subconsciente inglés de los cuentos de feria de la abuelita? De hecho esta increible inspiración nacida de los cuentos de feria y de ese mundo ligado a la infancia que caracterizaba a Syd Barrett, se iba a combinar estrechamente con su propio descubrimiento del LSD.

La primera iniciación al ácido de Barrett fue en el verano de 1964 en el sur de Francia en la compañía del que luego le sustituiría en el seno de los Pink Floyd: David Gilmour. Pero contrariamente a los acid-heads californianos que no encontraban su inspiración si no era mediante LSD, en Syd Barrett toda esta visión se iba a encontrar más profundamente alargada. El ácido no era sino un elemento más aliado a su desmesura, un modo de jugar un poco más a fondo a aprendiz de brujo.

Las letras de The Piper... están llenas de referencias al ácido sin ningún tipo de ambiguedad, en Astronomy domine y Interstellar Overdrive notablemente, pero Barrett miraba también más allá. En Lucifer Sam por ejemplo, intentaban la penetración en un universo retorcido como el del Ocultismo y si bien es necesario ver que su misión es inocente y neófita, así y todo da sensación.

Este puzzle explosionado de acordes y de sólos imbricándose los unos con los otros, incluso sin hablar de las múltiples obsesiones musicales de Barrett que se transparentan aquí y allá (...el grupo Love es una de ellas...), hacen de este Lp uno de los verdaderos ejemplos de 1967, la última experiencia.

En diciembre del mismo año, a la vuelta de una caótica gira norteamericana que había visto presentarse a Pink Floyd en directo en Boston, Nueva York y sobre todo en el Fillmore West de San Francisco, Roger Waters siguiendo los consejos de Andrew King y Peter Jenner expulsa a Syd Barrett del grupo. Al fin y al cabo el mundo del Rock es tan terriblemente conservador que no puede tolerar durante mucho tiempo a un extraterrestre en su seno.

Syd decide volver a vivir a casa de su madre en Cambridge durante dos años, a mirarse a través del espejo en los torbellinos de su alma en sus propios ojos.

"Vivía en la casa de Cambridge. Realmente no era muy divertido, trabajaba en el sótano, pintaba, componía allí en el fondo del sótano." Syd Barrett.

Syd saldrá del sótano en 1970 para publicar su primer disco en solitario: The Madcap Laughs. Durante el curso de estos años de existencia se larvaron algunos ataques de demencia súbita y pasajera como el que le empujó a intentar romperse la cabeza contra un muro, pero a fin de 1969 con la ayuda de David Gilmour y del productor Malcolm Jones, había comenzado las sesiones del álbum.

"Ayudé a Syd porque realmente me gustaban sus canciones y no porque, como supongo que algunos pueden pensarlo, porque me sintiera culpable de haber tomado su lugar en Pink Floyd. Yo quería que él hubiera podido salir con este disco pero al final me vi obligado a tomar las responsabilidades en la mezcla final." David Gilmour

También se sabe que Barrett debió ser ayudado permanentemente por Malcolm Jones durante la grabación. "Me acuerdo que David y Rick Wright me recomendaban siempre protegerle, estar atento a él sin pausa. Siempre me ha rondado la curiosidad de saber si no era debido a que él todavía representaba un buen montón de pasta para EMI, por lo que le producían." Malcolm Jones.

Posible, posible, pero esto no va a ser lo que reduzca la calidad de esa maravilla inmaculada que es The Madcap Laughs. Este disco no tenía que ver gran cosa con el Syd Barrett de 1967. Nada había aquí de esa producción luminosa. Parecía cantar en catalepsia mientras que el conjunto del disco tiene un cierto aire del Folk Cósmico.

En febrero de 1970 poco tiempo después de la salida de este disco, Syd se pone a trabajar en otro álbum. Las primeras sesiones comienzan a fin de mes en los estudios de Abbey Road, para prolongarse hasta agosto con interrupciones debidas a las ausencias de Gilmour y Wright ocupados en preparar la gira americana de Pink Floyd.

Al final el disco combinará material viejo y nuevo (Gilmour afirma que la totalidad del material de los dos lp's de Barrett fue escrito antes de 1968 pero se podría dudar cuando se sabe que, y es confirmado por Malcolm Jones, Syd escribía constantemente con una auténtica bulimia incluso entre dos tomas de estudio.)

Lo que sí es cierto es que Barrett es un disco doloroso que en ciertos momentos refleja realmente el enorme trabajo que debió ser para Gilmour, Jones, y el personal de Abbey Road llegar a dar una coherencia a los diversos antojos de Syd. De ahí ese feeling prefabricado, ese montón de cintas, algunas concretamente geniales como el Bob Dylan Blues pero mutiladas donde se extiende bien la tentativa de unir un grupo detrás de Syd a base de overdubs.

"Debimos inventar diversas técnicas para intentar meter en cinta los temas. Era terriblemente duro, muy muy duro y no se tenía ninguna idea de lo que Syd experimentaba en cada momento. Debíamos pregrabar las bases sin él, a partir de una versión que hubiera hecho. Y después, era preciso sentarle delante de un micro e intentar que tocara y cantara solo, con todos los riesgos que esto podía comportar. Se podía hacer también el rollo inverso, dejarle hacer su número, y después intentar meter las bases. La idea de verle trabajar directamente con un grupo era inconcebible; Syd transformaba continuamente sus temas y no tocaba jamás dos veces una canción del mismo modo. Llegué a pensar que esto era deliberado en él."

Es preciso, por lo tanto, tomar el segundo disco en solitario, Barrett, por lo que no es, es decir, como un mal disco. El lado artificial de su producción no altera para nada su grandeza.

La última aventura musical de Syd Barrett, todo un desafío de equilibrista, fue un grupo casi mitológico que formó en 1971 con otros dos nativos de Cambridge; Jack Monk, un bajista que había tocado con una banda llamada Delivery, y después estaba el batería más alucinado de toda la escena inglesa: Twink Ader, de un glorioso pedigree... Tomorrow, The Pretty Things y Pink Fairies eran sus ex grupos.

A decir verdad fue idea de Twink la de montar un grupo. Nick Kent cuenta que este batería tenía la idea de utilizar la leyenda quasi establecida de Syd Barrett para su interés personal. Pero STARS, así se llamó la banda, fue todo lo contrario a una experiencia satisfactoria gracias, sobre todo, al estado psíquico de Barrett.

Hicieron una serie de actuaciones, pero la más famosa fue la del Corn Exchange de Cambridge, en donde compartieron cartel con MC5. Los testimonios concuerdan en afirmar que la actuación de Stars aquella noche no fue más que pura cacofonía, Barrett salió corriendo del escenario para, de nuevo, enterrarse en vida en el fondo del sótano de la casa de su familia. La primera tentativa de resurreción de Barrett tocaba a su fin. Una conclusión absurda, a mi modo de ver, sobre todo cuando lees lo que contaba Barrett al comienzo de Stars...

"Quiero descubrir ahora con este grupo, si me es posible profundizar en ciertas ideas que me vienen desde el The Piper at the Gates of Dawn" S. Barrett

Recordar a título de curiosidad que Syd Barrett se presentó una sola vez en el London Olimpia en 1970 para promocionar el anterior disco y con una banda de apoyo que incluía a Jerry Shirley y David Gilmour.

Desde entonces Syd se encuentra absolutamente a la deriva, en los confines de la sordidez. De 1972 a 1975, de vuelta a Londres, se instalaba en un apartamento de dos habitaciones en el barrio de Chelsea, del que no sale practicamente más que cuando se lo exigen sus necesidades económicas, para acercarse a Berkeley Square, a la sede de LUPUS Music, la compañía encargada de administrar sus royalties.

También le da la manía de comprar guitarras por docenas. Más inquietante es el rumor de que, en diversas tiendas de ropa de Kings Road, los vendedores habían tomado el hábito de verle llegar, quedarse de pie durante horas en medio de la tienda, quieto y con la mirada fija, sin decir palabra, actitud que finalizaba de repente, partiendo del lugar corriendo. No es preciso ser clarividente para darse cuenta de que la tragicomedia de Syd Barrett olía a chamusquina.

Regresa de nuevo a Cambridge donde desde 1975 en adelante se debate en una existencia cubierta de estancias en clínicas psiquiátricas, incluso con tratamientos a base de electroshocks, como aquel del que informó la prensa amarilla inglesa en 1980.

También aparecieron unas fotografías en la prensa musical de medio mundo en 1982, de muy dudoso gusto. Y lo último que se ha dicho es que se pasa las horas delante de la televisión y que no quiere hacer nada más en su vida. No es difícil delimitar, comprender el alucinante itinerario de Barrett hasta las fronteras prohibidas que separan la razón de la locura; pero es el momento preciso, el disparador que hace que la estabilidad mental bascule, lo que queda como misterio insondable.

¿Por qué Syd Barrett más que Mick Farren, Pete Townshend o incluso Sky Saxon? No, el ácido no volvía clinicamente loco. Si esto hubiera sido el caso, toda una generación hubiera cambiado sus camisas de amebas por otras de fuerza, y quizás todo el mundo hubiera tomado un giro diferente. Gente allegada a Syd Barrett consideraba que su metabolismo era demasiado débil para asimilar cantidades industriales de drogas. Las historias abundan en este sentido, como el episodio de la estancia en Richmond en 1967 en casa de una extraña pareja que tenía la estrafalaria particularidad de azucarar cada mañana el té de Barrett con una fuerte dosis de puro LSD, seguramente a sus espaldas.

O esa anécdota significativa al respecto, ocurrida durante uno de los últimos conciertos de Barrett junto a Pink Floyd: mientras el resto del grupo estaba en el escenario afinando, Barrett seguía en el backstage triturando el contenido de un tubo de Mandrax, y mezclar el resultado con una especie de brillantina, para luego endurecer su pelo con esta abyecta mezcla. Tras recoger su guitarra Telecaster y subirse al escenario, debido al intenso calor de los focos, la combinación brillantina-Mandrax se puso a chorrear sobre su rostro dándole un aspecto de máscara de cera monstruosa del más bello efecto.

En fin, Syd Barrett junto a The Velvet Underground, son dos de los elementos fundamentales de la evolución de la música, desde principios de los 70 hasta ahora, más allá de cualquier revival. Y Syd Barrett es, sin duda alguna... la más grande interrogación del Rock Británico.

Artículo escrito por KIKE TURMIX, años 80
Homenaje a SYD BARRETT...
Homenaje a KIKE TURMIX, Estrella del R & R.

Electrisixties



Contadle a los amigos del Ecos y de La Vieja Ola, esa pequeña gran historia de los Electrisixties que aún no ha sido contada, vale?

Babyface: La pequeña gran historia de ELECTRISIXTIES nace en septiembre del 2008 cuando el Sr Beatpunk con la idea contenida por años de formar una banda Sixties Beat Garage decide llamarme para integrar el proyecto. Desde un principio me interesó la propuesta y de inmediato comenzamos a escribir los primeros acordes de lo que hoy son algunas de nuestras canciones.

Sr Beatpunk: Pensando en guitarristas para sumar al proyecto, aparece en mi cabeza Willie Muff, gran amigo y compositor amante del sonido surf y garage de los 60s que hacía tiempo no veía. Lo curioso del primer encuentro fue que Babyface conocía a Willie hacía años de un hospedaje cercano, donde vivieron en habitaciones contiguas separadas por una madera cubierta de flyers de recitales.

Babyface: Eso fue muy gracioso en el momento. Después de un par de ensayos como trío, llamamos a Frankie Walker, otro amigo músico y compositor. Yo tocaba el bajo en su otra banda. Debutamos en marzo del 2009 y no paramos de tocar desde entonces, puliendo el repertorio show tras show y componiendo nuevas canciones que darán forma a nuestro 1er disco próximo a editarse.

Habrá habido buenos y malos momentos, no?

Willie Muff: La verdad que malos momentos no hemos tenido por suerte. Los buenos momentos son muchos, somos 4 amigos que hacemos lo que más nos gusta y nos divertimos, cada show de ELECTRISIXTIES es un buen momento, ver al público bailar y disfrutar nos hace sentir bien.

En particular la grabación de lo que será el 1er disco fue algo buenísimo, ya que desde el principio teníamos la idea de hacer un disco en vivo en estudio, lo pudimos hacer y nos sorprendió el hecho de tener mejores resultados que lo que grabamos por separado (1er demo/maqueta).

Históricamente hablando, y más allá de los tópicos, ¿qué nos podeis contar de la escena mod y sixties en argentina?

Sr Beatpunk: En Argentina no tuvimos un revival mod a fines de los 70s y en los 80s como se dio en otras partes del mundo ya que estábamos en dictadura y la música era bastante censurada, en el 83 el país estuvo en guerra con Inglaterra y desde ahí se prohibió por completo la música en ese idioma, no había información.

En los 90 comenzaron a surgir algunas bandas bien influenciadas por los 60s, que algunas todavía existen. Actualmente hay una movida que se generó a raíz de shows y festivales de las bandas más características, un par de fiestas del estilo y una radio online. Pero aun así el público es reducido y no tan conocedor.

Cada uno de vosotros podía citar algunos grupos, algunas películas, algunos libros o lo que se os ocurra que nos sirva como pistas?

Babyface: Básicamente hacemos Beat con una pizca de garage, situándolo en años podríamos decir que nos movemos entre el 62 y 66. Bandas como: Dave Clark Five, The Zombies, The Kinks, The Easybeats, The Hollies.

Sr Beatpunk: The Yardbirds, The Mascots, The Juju's, The Roulettes. Somos fans de la infinidad de compilados garage que existen como Pebbles, Nuggets, Back from the Grave, etc.

Willie Muff: Agregaría a Herman´s Hermits, The Turtles, The Troggs. Podríamos estar días nombrando bandas que nos gustan.

Todo modernista tiene un amigo mocker, y mi amigo mocker me ha dicho que tiene curiosidad por saber cómo os llevais con los rollingos???

Willie Muff: No tenemos relación directa, estamos en caminos diferentes, lo que llamas rolingos (acá se dice rolingas) escuchan otro estilo de música, el cual está muy alejado de nosotros e incluso de los Rolling Stones. En Argentina en los 90 surgió un nuevo estilo de rock conocido como rock barrial o rolinga y es muy popular, influenciado sí por los Stones pero conceptualmente discierne bastante. A nosotros nos gusta mucho la primera etapa de los Stones.

¿Qué pensais de los grupos de acá? de las fiestas y eventos? habeis pensado en girar por aquí?

Babyface: Sabemos que hay mucha movida sixties y mod allá como en otras partes de Europa, sería fantástico estar girando por esas latitudes, es un objetivo a cumplir.

Si pienso en el nombre, pienso en una extraña mezcla de electrónica y modernismo, ¿qué creeis?

Willie Muff: El nombre proviene del juego de palabras Electricity (electricidad) y sixties (sesentas), tiene origen en que buscamos recuperar ese sonido eléctrico de principios de los 60s hoy perdido.

¿Teneis grupos o proyectos paralelos? que hace cada uno de vosotros, aparte de la banda?

Sr Beatpunk: Si, hacemos otras cosas además de nuestra banda, lamentablemente en Argentina cuesta vivir de la música y más haciendo algo tan poco popular.

Yo soy diseñador gráfico, también organizo y musicalizo THE FABULOUS 50's and 60's PARTY, tengo mi programa de radio online BEATLAND TRIP en Radio Royale (2 horas puramente música de los 60s por www.radioroyale.com.ar ) y participo como dj en algunas fiestas de la radio. Toqué muchos años en una banda llamada Ubika.

Babyface: Soy artista plástico y toco la guitarra y canto en un dúo de canciones de los 50´s y 60´s "BABYFACE & OLD UNCLE JOHN"

Willie Muff: Yo soy arquitecto, mientras camino por las obras en construcción supervisando, registro las melodías que se me ocurren en mi grabador portátil. Y Frankie Walker es productor musical y canta y toca en su banda paralela La Forma Del Espacio Exterior.

¿Cómo es un concierto de Electrisixties?

Sr Beatpunk: Principalmente divertidos, intensos y bailables, con un gran porcentaje de canciones bien arriba, incluimos bastantes covers bien cuidados, que vamos alternando entre nuestras canciones.

La idea es transportar al público a la década que más nos gusta, partiendo de la presentación del show, el vestuario, la estética en general, los instrumentos, además complementamos con proyecciones de la época. La gente baila sin parar conozca o no el estilo, les atrae, da curiosidad lo que hacemos.

¿Qué podeis contar de las grabaciones en estudio?

Babyface: Hemos estado 2 veces en estudio. A principios del 2009 grabamos nuestra primera maqueta/demo tocando todos por separado y con metrónomo, quedaron bien pero no logramos el sonido y la intensión que queríamos, a partir de eso decidimos grabar nuestro disco en vivo, tocando todos juntos y cantando a la vez. Esto fue en diciembre del 2009 y en breve lo editaremos como disco. Fue realmente una muy buena experiencia.

Sorprende mucho cómo cuidais los detalles de las canciones... ¿creeis en esa canción perfecta que pueda mejorar la vida?

Babyface: Sí, cuidamos bastante los detalles, la mayoría de las canciones pasan por varios estados, filtros y grabaciones previas antes de llegar a la sala, pero también creemos en la magia de la primera impresión con una canción nueva que cobra forma a los minutos de estar tocándola y nos hace pensar en que es la canción perfecta que nos da energía para seguir adelante y creer aún más en lo que hacemos.

Recomendad a quien lea esta entrevista algun grupo que os haya gustado mucho en los ultimos años, ok?

Sr Beatpunk: En particular no estoy escuchando mucha música nueva o de los últimos años, me ha gustado bastante el primer disco de The Madd y algo de Mark and The Spies (ambas bandas holandesas). The Staggers también Kaiser George and the Hi-Risers por nombrar algunas.

De las nuevas bandas inglesas lo que más rescato es The Last Shadows Puppets.

Babyface: Comparto con el Sr Beatpunk.

¿Buscais una huída de los típicos tópicos o no?

Willie Muff: La verdad que en las letras no intentamos huir de la lírica beat de principios de los 60s, al contrario, por el momento nuestras canciones siguen la temática clásica: canciones de amor y desamores, es inevitable que con el tiempo las composiciones evolucionen hacia otros aspectos de la vida.

Musicalmente, mas allá de los estilos en los que nos movemos logramos nuestra propia identidad.

Una última pregunta: ¿cómo reacciona la gente que os ve? hay club de fans? groupies? y esos uniformes quien los hizo?

Sr Beatpunk: El público reacciona super bien, se divierte muchísimo y se sorprende. Tenemos ya nuestro propio público que nos sigue a cada show.

El diseño de los uniformes está inspirado en los shea-jacket que usaron Los Beatles en el mítico show que dieron en el Shea Studium en el 65 y los fabricó una vestuarista que conocemos.

Espacio para, en completa libertad, decid lo que querais... gracias por todo! un placer!!

Primeramente agradecerte por la entrevista y por la buena onda de siempre, esperamos que haya muchos años más de Ecos, el placer es nuestro.

Somos chicos beats en la era de la PC felices de recrear la música de esta década tan importante y no vamos a parar de hacerlo. Muevan sus flequillos al son de ELECTRISIXTIES!!!


ELECTRISIXTIES:
  • BABYFACE: Voz y Bajo
  • WILLIE MUFF: Guitarra, Fuzz y Coros
  • FRANKIE WALKER: Voz, Guitarra Eléctrica y Acústica
  • SR BEATPUNK: Batería y Percusiones.

GET READY TO BEAT!!!

www.facebook.com/ELECTRISIXTIES

sábado, 19 de octubre de 2013

Los jóvenes airados. Free Cinema

El Free Cinema británico es uno de los grandes movimientos culturales de los años 60 y se presenta más comprometido socialmente que la Nouvelle Vague francesa. En las primeras películas surgidas en este movimiento se observa una voluntad de trastornar los tabúes sociales de la respetable sociedad inglesa y que arraigan en las clases menos privilegiadas, hasta entonces ausentes en las películas e incluso en las novelas.

El Imperio se iba rompiendo con la aparición de un grupo de jóvenes artistas que fueron conocidos como "The Angry Young Men"; esto es: Los Jóvenes Airados. Tampoco cabe duda que esta denominación es un poco general, si se considera la diversidad ideológica de los artistas a quienes clasificaba.

Sin embargo, novelistas como Allan Sillitoe, Doris Lessing, Colin Wilson; dramaturgos como John Osborne, Arnold Wesker y Anne Jellicoe; un crítico de teatro como Kenneth Tynan, y un crítico y realizador cinematográfico como Lindsay Anderson, podían ser clasificados bajo esa etiqueta ya que su plan era el mismo: innovar la literatura, el teatro y el cine británicos mediante una óptica socialista que exigía la necesidad de mostrar la Inglaterra que no salía en las postales para turistas.

Todas sus obras destacan por la imposición de un ambiente determinado -los suburbios de las grandes ciudades- así como por la mitificación de un nuevo prototipo: el héroe o heroína de ascendencia proletaria, el representante de la working class elevando su voz para protestar por su vida o luchar por mejorar su condición social. Se trataba de personajes reales como la vida misma, una especie de Neorrealismo británico totalmente opuesto a la irrealidad del viejo cine de las Islas.


Cuando Lindsay Anderson decía: "LO QUE DE VERDAD IMPORTA ES LA ACTITUD, PUES DE ELLA NACE EL ESTILO.", no hacía sino definir las raíces del Free Cinema, el Cine Libre, que buscaba el realismo al mismo tiempo que rechazaba el capricho y la improvisación, alejándose de sus colegas franceses.

Lindsay Anderson destaca entre la lista de nuevos cineastas gracias al famoso manifiesto llamado: "¡Salga y Empuje!"; que reclamaba para el cine inglés un mayor compromiso con la realidad diaria.

Empezó con varios documentales y su primer largometraje fue el drama: "THIS SPORTIN LIFE", 1963, con Richard Harris en el papel de un minero muy agresivo que es arrancado de su ambiente para convertirlo en jugador de rugby.

Pero fue la segunda película de Anderson la que más virulencia tuvo hacia los valores tradicionales. Era "IF...", 1968, donde se relata la pequeña revolución de unos colegiales en un centro universitario inglés. Este título sigue manteniendo intacta su carga social y, con el resto de su carrera, Anderson demostró su compromiso con el Free Cinema. Seis películas en 25 años.

Particularmente, me gusta mucho también "O LUCKY MAN", 1973, con una banda sonora fantástica.

Otro máximo referente del Free Cinema fue KAREL REISZ; checoeslovaco emigrado a Inglaterra tras la muerte de sus padres en un campo de concentración nazi. Reisz venía de la teoría cinematográfica, sus colaboraciones con las revistas "Sight & Sound" o la mítica "Sequence" son de mucho prestigio, aún hoy en día. También el libro "THE TECHNIQUE OF FILM EDITING" de Reisz es pieza clave del movimiento.

Con su primera película, "SATURDAY NIGHT AND SUNDAY MORNING", 1960, consiguió transmitir las frustraciones del jóven proletariado inglés a través de un personaje que bordó Albert Finney.

Con el mismo actor y una técnica neoexpresionista realizará "NIGHT MUST FALL", 1964, y después "MORGAN, A SUITABLE CASE FOR TREATMENT", 1966, en donde aparece la siempre bella Vanessa Redgrave. También con ella rodó "ISADORA", 1968... Gran película a pesar de que fue un fracaso en su momento de estreno.

Tony Richardson es para muchos el más emblemático de los directores de este cine libre. Venía del teatro y de la crítica, y su asociación con el dramaturgo John Osborne fue muy comentada. El personaje de Jimmy Porter -Richard Burton- en "LOOK BACK IN ANGER", 1959, se consideró como el gran ejemplo de Jóven Airado. Richardson siempre se basaba en obras literarias o teatrales y les sacaba provecho.

La fama le llegó con "TOM JONES", 1963, que fue muy popular y el escándalo le llegó con la adaptación de una obra teatral de la joven autora SHELAG DELANEY que trastornaba los conceptos puritanos de la moral inglesa, era "A TASTE OF HONEY", 1961.


Por último destacar "THE LONELINESS OF THE LONG DISTANCE RUNNER", 1962, con conexiones con "IF..." de Anderson, y dándole un golpe al toque fascista de ciertas instituciones. Richarson fue el primero en trabajar con Hollywood.

También hubo algunos cineastas-satélite que simularon incorporarse al Free Cinema, picoteando de su ideario cinematográfico y social. Algunos ejemplos serían:

  • "ROOM AT THE TOP", 1958, de Jack Clayton.

  • "A KIND OF LOVING", 1962, de John Schlesinger

  • "BILLY LIAR", 1963, de J. Schlesinger

  • "THE KNACK... AND HOW TO GET IT", 1965, de Richard Lester


El Free Cinema no fue tan solo cosa de directores. Actores y actrices como el ya citado Albert Finney, el maravilloso Tom Courtenay, mi querida Rita Tushingham, el antipático Alan Bates, las misteriosas Susannah York y Mona Washbourne, David Warner, Terence Stamp, el grande de los grandes Michael Caine, entre otros.

También nombrar al director de fotografía WALTER LASALLY, músicos como JOHN ADDISON o directores artísticos como TED MARSHALL... Todos integrantes de un movimiento que nace con vocación compacta y unitaria. No hay que olvidar que la convivencia artística fue fluida e intensa entre la mayoría de ellos, por lo menos por unos años... Antes de la tentación hollywoodiense.

La verdad es que a partir de 1964 la nueva promoción de cineastas estaba más pendiente de encontrar un compromiso entre calidad artística y espectáculo, pero siempre hubo ciertas excepciones. "WOMEN IN LOVE", 1969, de Ken Russel y antes de que se lanzara a todas esas películas biográficas... Cineastas como ANTHONY HARVEY, DON LEVY y PETER WATKINS, del que "PRIVILEGE", 1967, ha quedado como crítica de las manipulaciones del Capitalismo hacia un cantante Pop -Paul Jones-.

En la misma línea estaba el título "EXPRESSO BONGO", 1959 del afamado productor de serie B, Val Guest, con LAURENCE HARVEY haciendo de agente artístico en plan pícaro.

Antes de escribir este artículo me prometí a mí mismo no hablar de Cliff Richards, con aquellas películas tan alejadas de todo lo que significaba el Free Cinema... No le sirve ni que rodase un título en las Islas Canarias!!

Dos títulos finales a nombrar serían la famosa "PERFORMANCE", 1970, de Donald Cammel y Nicholas Roeg, con Mick Jagger y James Fox y toda esa mitología espiritualista de la época en clave experimental... y "SHAKESPEARE WALLAH", 1965, de James Ivory, retratando una compañía de teatro que recorre Inglaterra, con el estallido del Swingin London rondando.

Hay imágenes que no se olvidan, como JULIE CHRISTIE en "DARLING", 1965, de J. Schlesinger... El eterno arribismo social de "NOTHING BUT THE BEST", 1963 de Clive 'The Caretaker' Donner... la inquietante "THE WAR GAME", 1966, de Peter Watkins... incluso los FAB FOUR y sus locuras.

Solo he hablado de cine, pero seguro que recuerdas a algún jóven airado que, en su disciplina artística, trató de contar las cosas como las veía y no como las soñaba. Sirva este artículo como homenaje a todos esos artistas que cuentan la realidad que nos rodea y que critican la sociedad que nos ha tocado vivir... Y por supuesto: Para ellos... Los Working Class Hero.

Ingrid Bergman

"Ingrid Bergman, Ingrid Bergman
let's go make a picture
on the island of Stromboli, Ingrid Bergman.
Ingrid Bergman, you're so perty
You'd make any mountain quiver
You'd make fire fly from the crater,
Ingrid Bergman.
This old mountain it's been waiting
all its life for you to work it,
for your hand to touch its hard rock,
Ingrid Bergman, Ingrid Bergman,
if you'll walk across my camera
I will flash the world your story,
I will pay you more than money,
Ingrid Bergman.
Not the pennies, dimes or quarters
but with happy sons and daughters.
And they'll sing around Stromboli,
Ingrid Bergman...

LETRA: Woody Guthrie, 1950

Ingrid Bergman nació en Estocolmo el 29 de Agosto de 1915 y fue la hija única de Justus Bergman y Friedel Adler. Sus padres murieron siendo Ingrid una niña, con 2 y 12 años respectivamente. Así que se fue con una tía viuda que murió en sus brazos a los seis meses. La criaría otra tía que tenía 5 hijos y que se burlaban de su timidez y su torpeza. Todo esto la hizo retraerse y quedarse en un mundo propio. Ya desde entonces tomó la decisión de hacerse actriz.

Sus padres le habían dejado algo de dinero y así pudo entrar en el Liceo Femenino, en donde conoció la historia de otra mujer que le fascinó desde entonces: Juana de Arco.


Con 18 años se presentó al examen de selección para la beca del The Royal Dramatic Theatre School, una de las mejores escuelas de Europa. Su testarudez convenció a sus tíos para que le dieran permiso de hacer esta prueba y la aprobó. Se matriculó en el Curso Académico de 1933-1934, y muy poco después conocería al que iba a ser su primer marido: Peter Lindstrom, mayor que ella y que iba a ser una especie de manager y asesor de su carrera. Tras un año en la escuela de Arte Dramático empezó su interés por el cine.

Debutó en el cine sueco en 1934 con "Munkbrogreven", de los directores Edvin Adolphson y Sigurd Wallen y firmó un contrato con la productora Svenskfilmindustri. Su belleza juvenil y su buena actuación llamó la atención de la crítica. Tras un segundo título llamado: "Branningar" (1935) de Ivar Johannson es votada como la actriz más prometedora del cine sueco. Al mismo tiempo, Gustaf Molander, un talentoso director sueco se fija en ella y trabajarían juntos en varias películas, en las cuales su participación y talento iría creciendo.

Gosta Ekman, el actor sueco del momento le enseñó todos los trucos interpretativos. Los papeles que Ingrid Bergman encarnó en las 10 películas que rodó de 1934 a 1939 fueron todo un reto para ella. Hizo todo tipo de mujeres, y su seguridad y belleza eran su sello.

Tenía unas parientes en Alemania y allí rodó: "Der Vier Gesellen" (1938) de Carl Frolich para la U.F.A, la famosa productora alemana. En cualquier caso, las películas que la dieron a conocer en Hollywood fueron: "Intermezzo" (1936) de Gustaf Molander y "Un Rostro de Mujer" (En Kvinnas Ansikte) también dirigida por G. Molander y cuya versión norteamericana haría Joan Crawford.

Fue Kay Brown, la representante de los Hermanos O'Selznick en Nueva York quien la vio en la gran pantalla y pensó que aquella actriz y bella mujer tenía que ir a los Estados Unidos. Tras algunas dudas en dejar su carrera en Suecia y viajar con su primera hija (Friedel Pia), así como el idioma y el mundillo de Hollywood, Ingrid Bergman llegó en Mayo de 1939 a Nueva York para rodar un remake de "Intermezzo", la película sueca que había recibido buenísimas críticas. Esta vez, acompañada por Leslie Howard en la historia de la pianista primeriza y el consagrado violinista que se enamoran perdidamente y con la dirección de Gregory Ratoff (sin olvidar las lecciones de Ruth Roberts, profesora de Inglés de la Metro).

La película es un gran éxito y la gran naturalidad, elegancia, inteligencia, sensibilidad y encanto de Ingrid Bergman, la convierten en uno de los rostros del momento.

Vuelve a Suecia en el Verano de 1939 pero entonces estalla la 2ª Guerra Mundial y su marido le aconseja que vuelva a America. En proyecto estaba rodar su Juana de Arco pero David O'Selznick no está por la labor, a pesar de que se ha ocupado de dar una imagen de mujer casada y respetable de Ingrid. Incluso le dice a la actriz que en esos momentos no tiene en sus manos ningún guión adecuado para ella. Esa inactividad es aprovechada por la actriz para ver todas las películas que se estrenan, así como las obras de teatro. Habla con O'Selznick para que la deje hacer teatro y éste acepta ante su insistencia. Otro reto para la actriz.

En Marzo de 1940 debuta en Broadway con "Lilliom" y con Burguess Meredith como antagonista. Fue un éxito inmediato y la crítica teatral elogia su técnica. En Septiembre de 1940 O'Selznick permite a la actriz que colabore con la Columbia en la película: "Adam had four sons" (1941) de Gregory Ratoff con Warner Baxter ("La Calle 42") y Susan Hayward en los otros papeles. En Noviembre del mismo año vuelve a ser cedida a la M.G.M. para actuar en otra película que se llama: "Rage in Heaven" (1941) de W.S. Van Dyke (director a reivindicar) junto a Robert Montgomery y el siempre elegante George Sanders. Estas películas pasaron casi desapercibidas pero no las actuaciones de Ingrid Bergman, que seguía subyugando a la crítica especializada. La actriz luchó para que le dieran el papel de Ivy (la prostituta) en una nueva versión del mito de Jeckyll y Hyde: "El Extraño Caso de Jeckyll & Hyde" (1941) dirigida por Victor Fleming y protagonizada por Spencer Tracy y Lana Turner. O'Selznick quiso en un principio que Ingrid hiciera el otro papel, pero la actriz insistió. Este supuso el primer contacto de Ingrid con Victor Fleming; 7 años después rodarían, por fin, su Juana de Arco.

Durante esta época, su marido se había reunido ya con ella y se van a vivir a Rochester, cerca de la Universidad donde éste iba a seguir con sus estudios de medicina y rodeados de todo ese mundo universitario. Aburrida por no tener demasiado trabajo, hace sus visitas a Nueva York yendo a teatros y museos. O'Selznick seguía siendo muy exigente con los guiones que le llegaban a la actriz pero ésta no quería que pasara mucho tiempo entre película y película, así que volvió a conseguir que el productor pusiera en los escenarios la obra: "Anna Christie" (Greta en el cine), y que se estrenó en Agosto de 1941. Otra vez las críticas fueron espléndidas.

Por fin iban a llegar los dos títulos que la convertirían en toda una estrella de Hollywood. Primero una cesión a la Warner Brothers: "Casablanca" (1942) de Michael Curtiz. El Mito hecho Película. O'Selznick convenció a la actriz a trabajar en este título ya que Ingrid no estaba segura. Una de las razones para decir que sí fue que su partenaire; Humphrey Bogart también había hecho teatro.

El otro título fue: "Por quién doblan las campanas" (1943) de Sam Wood, basada en la novela, "For Whom The Bell tolls" de Ernest Hemingway. Ingrid Bergman presionó insistentemente a O'Selznick y a Paramount Pictures para conseguir el papel, que en un principio iba a ser para Vera Zorina; más conocida como bailarina que como actriz. Un golpe de suerte le iba a brindar ese papel que le trajo una nominación para el Oscar y el cariño de todo el público... ¡¡Aquel maravilloso corte de pelo!!!

Durante la 2ª Guerra Mundial, Ingrid Bergman realizó una serie de giras por diversas bases militares para entretener a las tropas. Además intervino en una película documental de la Oficina de Información de la Guerra: "Swedes in America", que mostraba la forma de vida de los suecos afincados en Minnesota.

En el Verano del 45, poco después de la victoria en Europa, realizó otra gira por campamentos militares en Alemania, en los que leyó extractos del guión de Juana de Arco a los soldados, mientras les describía escenas y situaciones. También encontró tiempo para aparecer en la radio, concretamente en 1944, junto a Ronald Colman en "Death Takes a Holiday", que había dirigido Mitchell Leisen 10 años antes en el cine.

A finales de 1943 comenzó a trabajar en "Luz que agoniza" (1944) de George Cukor junto a Charles Boyer y en la M.G.M. Su fuerza emotiva y poder hipnótico le hicieron ganar el Oscar a Mejor Actriz de 1944.

En los años siguientes se estrenaron las películas que ya le llevarían a la fama definitiva. "Spellbound" (1945) con Alfred Hitchcock, "Las Campanas de Santa Maria" (1945) de Leo McCarey y que era una cesión a la RKO y "La Exótica" (1945) de Sam Wood.

La última película en la que intervino bajo el antiguo contrato que le unió a O'Selznick Pictures fue la obra maestra: "Encadenados" (1946) otra vez con Hitchcock, otra vez para la RKO. Ingrid Bergman tenía la sensación de que el magnate de Hollywood se había aprovechado de ella y que le daba los mejores papeles a Jennifer Jones, con la que David O'Selznick se casó tiempo después.

Durante 1946, Ingrid Bergam volvía a triunfar en los teatros con una adaptación de una de sus obsesiones: "Joan of Lorraine" (La Doncella de Orleans). En 1948 rodó: "Arco de Triunfo" de Lewis Milestone, un título no muy reconocido o citado como copia de "Casablanca", pero es tan grande como todas las anteriores y crece con cada revisión. Otra vez con Charles Boyer en una historia genial de personajes que huyen de la guerra, de la resistencia al fascismo y el amor a través de los problemas.

Su vida matrimonial con Peter Lindstrom casi no existía y durante el rodaje de este título quiso divorciarse, pero ambos aguantaron un poco más. Aquel contrato con O'Selznick había acabado y era su marido el que le ayudaba a tomar decisiones, de las que la actriz se iba a hartar muy pronto.

El siguiente proyecto fue la versión cinematográfica de su querida Juana de Arco. Producida por la corporación formada por Walter Wanger, que puso muchísimo dinero, y la actriz y su aún marido. La película triunfó en Europa pero fracasó en los Estados Unidos.

Ingrid Bergman se había hecho buena amiga del fotógrafo Robert Capa y éste le habló de Roberto Rossellini, Padre de la Escuela Neorrealista Italiana de Postguerra y que había causado sensación con sus películas. La actriz vio: "Roma, citta aperta" (1945) y se quedó impresionada por su crudo realismo. Después de ver "Paisa" en 1948, le escribió una carta al cineasta que decía lo siguiente:

"He visto sus películas y me han gustado mucho. Si necesita una actriz sueca que sabe hablar bien inglés, que no ha olvidado el alemán, que no resulta muy comprensible en francés y que en italiano lo único que sabe decir es: "Ti Amo", estoy dispuesta a hacer una película con usted...
Afectuosamente, Ingrid Bergman."

En el Verano de 1948, Ingrid Bergman fue a Inglaterra para rodar "Atormentada" de Hitchcock. Durante el rodaje conoció a Rossellini, y junto a su marido llegaría a un acuerdo para producir: "Stromboli, terra de dio" (1950) -(Howard Hughes ayudó en la financiacion).

En 1949, Rossellini viajó a Hollywood y siguieron hablando de la película. En Marzo del mismo año, Ingrid Bergman viajó a Italia para el rodaje. Una vez más, la película triunfó en Europa y, con un montaje diferente, fracasó en los Estados Unidos. Hollywood estaba más pendiente del escándalo de Bergman-Rossellini... ¡Maldita Louella Parsons!!

Ya divorciada, se casaron en Juarez, Mexico. El supuesto escándalo cesó en Junio de 1952 cuando nacieron las dos hijas gemelas: Isabella e Isotta.

El período con Roberto Rossellini empezó con "Stromboli", siguió con "Europa 1951", después con uno de los episodios de "Siamo Donne" (1953), así como "Viaggio In Italia" (1954) (Te querré siempre), maravillosa junto a George Sanders otra vez. Le siguió un montaje teatral llamado: "Giovanna D'arco al Rogo" (1954), basado en su personaje favorito. Por último, "La Paura" (1955). Películas Modernas para aquel tiempo en que Ingrid Bergman fue feliz, por fin. Tal vez demasiado Modernas, nunca demasiado feliz.

En 1955, harta de estar sin dinero y convencida de que nunca lograría una película de éxito de público y crítica con Rossellini, intervino en "Elena y Los Hombres" de su amigo Jean Renoir. El título en inglés fue: "Paris Does Strange Things".

Al año siguiente protagonizó "Té y Simpatía" en los escenarios de Paris; un papel que haría Deborah Kerr en la gran pantalla.

El regreso de Ingrid Bergman a Hollywood fue en 1956; otra vez apareció Kay Brown con una oferta, esta vez de la 20th Century Fox, para protagonizar "Anastacia" de Anatole Litvak. Con ella ganaría su 2º Oscar, con ella triunfó y le daría en toda la cara a muchos.

En 1957, su matrimonio con Roberto Rossellini se había ido a pique; talento y orgullo les hicieron incompatibles.

Al año siguiente su amiga Kay Brown le presentó a Lars Schmidt, un empresario teatral sueco... Se casarían a finales de año.

Las siguientes películas fueron: "Indiscreet" (1958) de Stanley Donen y su reencuentro con su amigo Cary Grant; después "El Albergue de la Sexta Felicidad" de Mark Robson y basada en la maravillosa novela de Alan Burguess; le siguieron "No me digas que no" (1961) de Anatole Litvak con Ives Montand y Anthony Perkins; y una versión cinematográfica de la obra de teatro de Friederich Duerrenmatt, "La Visita del Rencor" (1964) de Bernhard Wicki y acompañada por Anthony Queen. Sirva como dato que Duerrenmatt escribió el argumento de la película "El Cebo" de Ladislao Vajda.

En 1965 participa en "The Yellow Rolls-Royce", del director británico Anthony Asquith y junto a Omar Shariff, el actor de moda. También volvería a participar en una película de capítulos llamada "Stimulantia" (1967) y que era su vuelta al cine sueco después de 20 años. En este título se reencuentra también con Gustaf Molander y Gunnar Bjornstrand, los cineastas suecos que vieron sus comienzos.

De regreso a los Estados Unidos interviene en dos títulos para la Columbia: "Cactus Flower" (1969) de Gene Saks y con Goldie Hawn y el siempre genial Walter Matthau en una comedia moderna. Las dos actrices bailan un frenético boogaloo en una discoteca... ¡¡Histórico!!

Con 54 años, Ingrid Bergman irradiaba esa típica calidez que la acompañó durante toda su carrera. Categoría de Reina. A continuación protagonizó: "Secretos de Esposa" (1970) de Guy Green -(A Walk in The Spring Rain), otra vez junto a Anthony Queen en una especie de remake de "Brief Encounter" (1946), David Lean.

Ya desde la década de los 60 también hizo mucha televisión y volvió al teatro, destacando en "Hedda Gabler" de Ibsen. Llevaba mucho tiempo sin parar: Paris-Los Angeles-Nueva York-Londres... A partir de entonces, en los últimos 12 años de su vida, Ingrid Bergman fue reduciendo, poco a poco, sus apariciones en las pantallas.

En 1973 aceptó un pequeño papel de 25 minutos en "From The Mixed Up Files of Mrs. Basil E. Frankweiler", dirigida por Fielder Cook. Un título sobre dos niños que hacen una visita al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York y dejan libre su imaginación. La actriz le tenía un cariño especial a esta película.

Al año siguiente aceptó otro papel corto; el de misionera sueca de caracter neutral en "Asesinato en el Orient-Express" de Sydney Lumet. Y con esta intervención ganó su 3er Oscar, esta vez como secundaria. Cuando le dieron el premio en la Ceremonia de Entrega y le tocó dar su discurso, Ingrid dijo humildemente que sus compañeras se lo merecían más que ella, y pidió un aplauso como reconocimiento.

En 1976 llegó: "A Matter of Time" de el gran Vincente Minnelli. En España tuvo el título de "Nina", y allí está Liza Minnelli como una especie de "Cenicienta", y el reencuentro de Ingrid Bergman y Charles Boyer en unas escenas crepusculares llenas de romanticismo. La crítica masacró esta película pero La Vieja Ola se queda con esta frase que dice la actriz:

"EL TIEMPO NO EXISTE: NADIE MUERE A NO SER QUE NOSOTROS LO DESEEMOS ASÍ."

Una de sus gemelas, Isabella, tenía un pequeño papel en este título.

Dos años más tarde llegaría: "Sonata de Otoño", dirigida por su compatriota Ingmar Bergman. La actriz interpreta a una pianista ególatra que trata de reconciliarse con su hija, Liv Ullman, y que tiene unas extrañas reminiscencias con "Intermezzo". Fue su último gran triunfo en la gran pantalla, tanto de público como de crítica. Su talento y su memoria sorprendió a todos sus compañeros y se llevó estupendamente con el director. No había dejado de hacer pequeños papeles en obras de teatro de Bernard Shaw, Sommerset Maughan, N.C. Hunter y otros. La crítica se sorprendía de su elecció n en los papeles,como si Ingrid fuese eligiendo extrañamente.

En 1975 su matrimonio con Lars Schmidt se rompe en secreto: Ingrid Bergman se dedica a sus hijos, nietos y a su profesión: Actuar.

En 1979 fue la anfitriona del homenaje a Alfred Hitchcock que se emitió desde Hollywood; las escenas de cariño y amistad entre el director y la actriz dieron la vuelta al mundo... ¡¡¡Hitch emocionado e Ingrid abrazándolo como si fuera un niño!!!

Por fin, en 1982, la televisión le proporcionaría su último gran papel: "A Woman Called Golda" de Alan Gibson. Su interpretación de la primera ministra Golda Meir dejó anonadados a todos en el set del rodaje. No se sabía cuando acababa el personaje y empezaba la actriz. A pesar de que se encontraba muy débil por el cáncer que padecía, no se notó en el rodaje y ganó el Premio Emmy de Mejor Actriz.

Cuando falleció el 29 de Agosto de 1982 a los 77 años, Ingrid Bergman tenía una de las reputaciones más distinguidas del Séptimo Arte. Los papeles que desempeñó en sus 46 películas, 11 obras de Teatro y 5 dramas para la televisión, reflejan su versatilidad, su sencillez y gran estabilidad, así como su belleza y su complejidad técnica. Un ser humano risueño, vital y con los pies en el suelo... Una Pionera.

"Es importante vivir al máximo la parte de la vida que te ha sido asignada. Es algo demasiado valioso como para desperdiciarlo. La vida, sea larga o corta, es un don que hay que apreciar, saborear y saber utilizar."

Ingrid Bergman, 1974

En su recuerdo...

UN ARTÍCULO DE LA VIEJA OLA...

El espíritu de Johnny Case



"Holiday" es una película de 1938 dirigida por George Cukor. Protagonizada por Katharine Hepburn, Cary Grant, Doris Nolan, Edward Everett Horton, Lew Ayres, Henry Kolker, Binnie Barnes, Jean Dixon y Henry Daniell en los papeles principales.

El guión estaba basado en la obra de teatro de Phillip Barry y fue escrito por Donald Ogden Stewart y Sidney Buchman. Fue una obra que se estrenó en Nueva York un 21 de Noviembre de 1929 y fue representada 229 veces.

Johnnie Case es el gran protagonista. Yo quise ser Johnnie por mucho tiempo y creo que aún sigo queriendo ser ese personaje libre que se ha enamorado de la hija de un millonario y en su casa encuentra a su verdadera alma gemela.

Johnnie vive en casa de unos profesores amigos de él y sus ideas son algo extrañas para la época. El Espíritu de Johnnie Case trata de disfrutar de la vida mientras se pueda. Pensar bien las cosas y divertirte antes de dejarte llevar por las rutinas de la vida diaria. Esas son las ideas del libre pensador Johnnie, del que tenemos la sensación de que hasta ahora en su vida ha estado haciendo lo que venía en gana.

Ahora, enamorado de Linda Seton, no está dispuesto a que su vida cambie demasiado. Quiere seguir con esas vacaciones eternas hasta que descubra qué es lo que realmente quiera hacer con su vida. Sin ataduras, siendo libre por dentro y por fuera. Ese es Johnnie Case.

Alejado de los iconos norteamericanos que solo piensan en el dinero y en el poder como culminación de todo en el ser humano. A Johnnie le da igual el dinero, mientras sea feliz.

Hace poco volví a ver la película y tomé unas notas... Y en el principio del folio en blanco puse: YO QUIERO SER JOHNNIE CASE... y no vayas a creer que es algo fácil!! El mundo suele estar en contra de personajes así de libres. Y de esos extraños amigos que pueden ser comunistas. Oh! Ese tabú estadonunidense de todos los tiempos.

Le guste o no a Johnnie, las diferentes clases sociales marcan a la sociedad. Pero lo que hay que saber de las chicas es igual para todos.

Cary Grant, ya para siempre Johnnie Case, parece que viene de trabajar en el circo y cuando se pone nervioso o está de mal humor, hace unas cabriolas fantásticas y todo se soluciona... O por lo menos te diviertes un rato.

Ya nadie guarda secretos. Los secretos son tesoros que hay que guardar...

"A LOS QUINCE AÑOS TODOS SOMOS SINCEROS, DESPUÉS NOS CONTAMINAMOS" (guión).

Por el otro lado está la Familia Seton. Julia (de quien Johnnie se enamora en primera instancia) y Ned, los hermanos de Linda creen que este noviazgo será otro de esos caprichos de niña millonaria de Linda (Hepburn) Seton... pero no. Ella ya ha cambiado su forma de pensar. Claro, cosa fácil si se es millonaria, no? Pero lo que lo hace real es que ella está dispuesta a dejarlo todo por él... Ella está hablando de ella misma, por supuesto. Es fácil con esos sombreros fantásticos de Robert Kalloch y todo el vestuario... Si Johnnie quiere soñar pues que sueñe... Y si después quiere vender cacahuetes, pues Linda los venderá con él.
Mientras Johnnie dice que cuando no sabe qué hacer piensa en lo que haría la General Motors... Y entonces él hace lo contrario, por supuesto!!

"ME HORRORIZA SENTARME CON OTRO HOMBRE A HABLAR DE COSAS PRÁCTICAS" (guión) dice Johnnie.

Muchas veces nos olvidamos de jugar o, por lo menos perdemos esa facultad. En las casas debería de haber un cuarto en el que la gente se lo pase bien y olvide sus problemas. Esa escena maravillosa en que Katharine habla de ella, esa niña rica incomprendida por un padre que se cree que el dinero lo es todo, por que con dinero ha construido su vida y la de sus hijos. Katharine nunca fue más parecida a una jirafa.

Muchos intentaron huir del culto a la riqueza y se refugiaron en el llamado New Deal.

Después, en las casas, hay cuartos que dan escalofríos y a los que nunca quieres entrar. Lugares en donde el dinero es Dios. En la familia hay una oveja negra que es el hermano de Linda, Edward Seton, estupéndamente caracterizado por un Lew Ayres que nunca estuvo mejor. Ned no quiere ser el sucesor del Imperio y como su padre no le deja ser lo que quiere ser pues se bebe su vida emborrachándose de champaigne... o se inventa jaquecas. Lo que haga falta para hacer cualquier otra cosa que ser lo que quiere el padre.

La vida es un guiñol y algunos se dejan manejar más que otros. Después está la gente sin importancia... gente maravillosa que hace su vida y dando clases en la universidad... Intentando contagiar su amor por las cosas, por los libros, por la vida.

Johnnie Case es un espíritu extraño de rebeldía que acaba de encontrar a la mujer de su vida. Y es que los rebeldes acaban encontrándose.

"EN UNA SIDERURGIA SE APRENDE MUCHO MÁS QUE EN HARVARD" (guión).

Johnnie Case y su Declaración de Independencia particular es la misma que la de La Vieja Ola. Ser libre haciendo lo que quieres. Jóvenes soñadores.

"¿SABES SI CONOCEMOS A ALGUIEN QUE HUELA A VIOLETA?" (guión)

Todas las familias están compuestas de trozos que se acaban separando más tarde o más temprano. Por las buenas o por las malas.

Recuerdo esa habitación donde se podía fumar sin que nadie te molestase y los cigarros estaban en cajas de madera. El Fumar como Placer no como enfermedad. Fumar y hacer las maletas a la vez, mientras suena alguna canción que podamos tararear sin dificultad.

Tal vez, un viaje a Francia, Johnnie y Linda... Robar una corbata sin que les pillen... Un simple paseo por una calle cualquiera... y estar lleno de impulsos generosos. Nunca perder ese toque infantil por las cosas... Esta película es como una lección. Por esto vale la pena vivir.

El diseño de arte de la película ganó el Oscar a la mejor dirección artistica, realizada por Stephen Gosson y su ayudante Lionel Banks. Desde la mansión de Los Seton con esas grandes escaleras y espacios, así como las habitaciones... hasta la humilde casa de los amigos profesores de Johnnie. Todo un contraste.

La película fue producida por Everett Riskin, el hermano del gran guionista Robert Riskin.

La fotografía fue de Franz Planer, uno de esos austrohúngaros emigrados a Hollywoodland que hizo un montón de trabajos geniales, entre los que se podían destacar: "20.000 leguas de viaje submarino", "El motín del Caine" o "Vacaciones en Roma"... pero sin olvidar su trabajo en Alemania en los Años 20 y 30.

Babs Johnstone fue el decorador de interiores y basta recordar su trabajo en "Horizontes perdidos", por ejemplo.

En el estreno en Inglaterra de esta película se le cambió el título a "Free to live", o lo que es lo mismo: Libre para vivir... Eso es lo que queremos todos en el fondo, no? Nunca encontrarás a La Vieja Ola en las fiestas de la Alta Sociedad, pero sí paseando por la calle...

Lo que parece una comedia romántica se convierte en una forma de vivir sobre las eternas preguntas de la vida... Y hay veces que te enamoras de una hermana y te acabas casando con la otra por que conecta mucho más con tu forma de ver las cosas. Vale la pena arriesgarse. Vacaciones Permanentes cantaban Cosecha Roja...

"Holiday", una de esas películas que pueden describir perfectamente lo que es o lo que significa LA VIEJA OLA...

EL ESPÍRITU DE JOHNNIE CASE está en esta web...

UN TEXTO DE LA VIEJA OLA PARA EL ECOS DE SOCIEDAD...

miércoles, 9 de octubre de 2013

Mitchell Leisen

Los cinéfilos y mitómanos de La Vieja Ola pensamos que Mitchell Leisen es un Rey sin corona de la comedia americana de los años 40; un más que digno compañero de los reyes coronados Frank Capra, George Cukor, Gregory La Cava y Leo McCarey.

Esta es una opinión, que va más allá y que es arriesgada. Leisen es uno de esos maestros del séptimo arte menos reconocidos y reivindicados.

Cahiers du Cinema lo consideraba poco menos que un couturier; el crítico Andrew Sarris decía de Leisen que era "likeable but elusive", y los ingleses guardaban absoluto silencio.

Pero el tiempo, la maldita televisión, las cinematecas y los festivales de cine lo han puesto en el sitio que se merece y así pues, escritores especializados como John Baxter no vacila en calificar películas como "Medianoche" de comedia sublime en "The MacMillan Dictionary of Films"; una de esas biblias cinéfilas a la que acudir. También personajes como Guillermo Cabrera Infante la eligió como una de sus 3 películas favoritas, en una carte blanche del viejo festival de Barcelona, y estos solo son algunos ejemplos nada más.

Sin Leisen, Preston Sturges o Billy Wilder nunca se hubieran convertido en directores de cine, entre otras cosas porque pensaban que estropeaba sus guiones. Otros opinamos de otra manera y allá cada cual con su opinión, pero la envidia y la homofobia también tenían que ver. Otra batalla de la eterna guerra entre escritores y directores. Ahora que con los años somos menos radicales y más abiertos, sabemos que Mitchell Leisen no solo era un artesano: Era un autor de estilo propio y que tiene en su haber 3 clásicos indiscutibles de la comedia, cada una mejor que la anterior y las tres aviesas versiones modernas del cuento de La Cenicienta:
1) "Candidata a millonaria" (1935) Carole Lombard y Fred McMurray
2) "Una chica afortunada" (1937) Jean Arthur y Ray Milland
3) "Medianoche° (1939) Claudette Colbert y Don Ameche

Pero... y sus principios??? ¿Y el resto de su filmografía?

Leisen era un todo terreno cuya reputación está fuera de toda duda, ejemplo de elegancia y sofisticación. Ejemplo de maestro clásico; como John Ford, como Raoul Walsh o como Alfred Hitchcock.

James Leisen, también conocido como James Mitchell Leisen nació un 6 de octubre de 1898 en Menominee, Michigan. En 1919 ya era un jovencito que deslumbró a Cecil B. De Mille. Actor, diseñador de vestuarios, decorador y ayudante de dirección, productor, director. Leisen abarcó todas esas facetas y más. Lo suyo fue una de esas carreras de obstáculos que hacen ir de salto en salto, mejorando siempre la situación anterior.

Hijo del dueño de una fábrica de cerveza, se diplomó en Arquitectura muy joven, y trabajó en el departamento artístico del Chicago Tribune. Fue entonces cuando conoció a De Mille, haciendo un pequeño papel en una de sus películas y se hicieron buenos amigos. De Mille le encargó el vestuario de la película que iba a rodar; "Male and female" (1919) y poco después le nombraba responsable del vestuario de todas sus producciones. "El signo de la cruz", esa extravagancia romana, o "Madame Satán", son los ejemplos más claros, pero el más conocido fue su versión de "Cleopatra" y todos los trajes que llevaba una exuberante Claudette Colbert en "Rey de reyes".

En 1925 pasa a ser director del departamento de decoración de Paramount Pictures y también diseña el vestuario de títulos como: "Robin Hood" de Allan Dwan, "The thief of Bagdad" de Raoul Walsh con Douglas Fairbanks o "Rosita" de Ernst Lubitsch.

Leisen heredó de todos estos maestros el gusto por el gran espectáculo y el savoir faire imprescindible para las comedias que estaban por llegar, así como todos los recursos para el melodrama, género del que también sería maestro.

"Todo lo que sé lo he aprendido de Cecil B. De Mille" - Mitchell Leisen

Los directivos de la Paramount le asignan, con la prudencia característica de sus personalidades, un director adjunto que lo acompaña en sus primeros pasos en la dirección, pero Leisen, iniciado en toda la técnica del viejo cineasta, destaca pronto en su refinamiento, su agudo sentido del humor y su psicología en el trato con las actrices. Así fue como se convirtió en dominador con la misma brillantez de la alta comedia y de la sequedad del drama, puso imágenes a los guiones escritos por estupendos guionistas que más tarde se harían cineastas de renombre. Leisen, como todo maestro clásico, había aprendido desde abajo en el oficio. Había empezado en el cine mudo, cuna de los mejores cineastas de la historia.

Su debut en solitario se produce con una versión de la obra del escritor español Gregorio Martínez Sierra; "Canción de cuna", que en la versión inglesa llevó el nombre de "Craddle Song".

La crítica especializada destaca tres películas como sus cumbres artísticas:

l) "No hay tiempo para amar" (1943); donde se produce un divertido intercambio de los papeles tradicionales. La chica, Claudette Colbert, es una sofisticada mujer fotógrafo, y el chico, Fred McMurray, es un inculto cabeza de chorlito... Ah, pero no es así siempre?
2) "La vida íntima de Julia Norris" (1946). Oscar a Olivia de Havilland.
3) "Si no amaneciera" (1941); escrita por B. Wilder y protagonizada por Charles Boyer y Paulette Goddard y una de las cimas del cine romántico de todas las épocas.

Pero hasta que llegaron los 40, Leisen hizo varias obras maestras, varios musicales espectaculares y títulos que pasaron sin pena ni gloria... como a todo buen maestro le suele pasar. Después ya llegaría el momento de que su prestigio se consolidara y la fama, reconocimiento mundial tocó a su puerta. Eran títulos deslumbrantes como: "El pirata y la dama", "La bribona", "La máscara de los Borgia" o "En las rayas de la mano".

No se trata de, empero, parodiar el famoso grito apache del crítico de cine Roger Leenhardt: "Abajo John Ford, viva William Wyler!!" por un simple "Abajo Wilder viva Leisen!!"; pero los hechos están ahí, las películas están ahí, simplemente somos muy pocos los que las hemos visto y al viejo zorro alemán de Wilder ya le conoce todo el mundo. No hay año que no pongan alguna de sus películas o que algún cineasta de tres al cuarto le quiera dar las gracias. Leisen era un gran director de actores y, que se sepa, nunca machacó a ninguna de sus estrellas.Su timing en las escenas era perfecto e incluso envidiado por Lubitsch. Todo esto, sin olvidar sus singulares ideas para las puestas en escena. ¿Quien aprendió de quien?

En los años 50 Leisen solo rodó cinco títulos y se metió de lleno en el nuevo medio: La televisión. En 1967 reapareció sorprendentemente con un título: "Spree" plagado de figuras acabadas fuera de onda; Jayne Mansfield, Vic Damone o Juliet Prowse. También había vuelto a una de sus viejas pasiones: La escultura. En el fondo, era una vuelta a sus orígenes en el cine. Leisen acabó sus días como más le gustaba, entre el diseño y la decoración de mansiones de lujo para sus amigos de toda la vida, y también creando locales de super lujo en Beverly Hills.

UN FINAL ELEGANTE

Recuerdo que hace unos años, antes incluso de la retrospectiva que se hizo de Leisen en el Festival de cine de San Sebastián, se reestrenó en las salas comerciales una de sus películas de los años 40: "Easy Living"; El viejo maestro volvió a demostrar que el suyo era un cine que estaba vivo y fresco. Las salas se llenaron y el público se reía. Más de un crítico se tuvo que comer sus palabras y sin sal.

Mitchell Leisen y la actriz Carole Lombard fueron grandes amigos dentro y fuera de los platós de rodaje. La genial rubia platino lo llamaba su mejor "amiga". Sí, Mitchett Leisen era gay. Sirva este artículo como homenaje a todos los artistas que son ninguneados por su condición sexual.

MEDIANOCHE


Mi amor por el talento de Leisen viene de un montón de medianoches viendo la televisión. Aquellas madrugadas históricas de la segunda cadena de televisión española, antes de la televisión digital y otras zarandajas. Pasaron todo un ciclo de Leisen, más de 20 películas en versión original que eran todo un descubrimiento para mí. No solo por las comedias geniales, o los tremendos musicales sofisticados, tampoco por los melodramas que han quedado como hitos populares, o por las aventuras en lugares lejanos... El cine de Leisen destila elegancia sublimada y a mí me da la añoranza de otros tiempos en que todos vestíamos mejor, eramos más guapos y aún existía el glamour como signo de vida.

Mitchell Leisen nos dejaba, y mi mundo se derrumbaba un 28 de Octubre de 1972, en Woodland Hills, California. Recuerdo ver una foto de este cineasta, delante de un autorretrato que estaba colgado en su mansión. Leisen sonreía y fumaba un cigarro con boquilla ,elegantemente vestido y con una pose que denotaba su clase.

Desde entonces, y mucho antes, Leisen se ha convertido en uno de los pobladores de este microcosmos llamado La Vieja Ola. Gracias Rey.

AGRADECIMIENTOS Y ELEGANCIA

  • EMILIO PEREZ DE SOTO, por ser el primer Leiseniano

  • JOSE LUIS GUARNER, por sus estupendos artículos y críticas de este director

  • JAVIER OCAÑA, por la información

  • CARLOS PUMARES

  • FANZINE TREMOLINA, por creer en Leisen

MITCHELL LEISEN DISEÑO DE VESTUARIO

  • MALE AND FEMALE (1919)

  • FORBIDEEN FRUIT (1921)

  • ROBIN HOOD (1922), firma como "Leisen"

  • ROSITA (1923)

  • THE COURTSHIP OF MYLES STANDISH (1923)

  • THE THIEF OF BAGDAD (1924)

  • DOROTHY VERNON OF HADDON HALL (1924)

  • SHOW FOLKS (1928)

  • THE TAMING OF A SHREW (1929)

  • THE SIGN OF THE CROSS (1932)

  • THE LADY IS WILLING (1942)

  • TAKE A LETTER DARLING (1942)

  • LADY IN THE DARK (1944)

  • FRENCHMAN'S CREEK (1944), sin acreditar

  • BRIDE OF VENGEANCE (1949)

MITCHELL LEISEN ART DIRECTOR

  • THE PRINCE CHAP (1920), firma como James Mitchell Leisen

  • THE ROAD TO YESTERDAY (1925)

  • THE VOLGA BOATMENT (1926)

  • THE KING OF KINGS (1927)

  • HIS DOG (1927)

  • THE FIGHTING EAGLE (1927)

  • THE ANGEL OF BROADWAY (1927)

  • THE WISE WIFE (1927)

  • DRESS PARADE (1927)

  • THE FORBIDDEN WOMAN (1927)

  • CHICAGO (1927)

  • POWER (1928)

  • CELEBRITY (1928)

  • SHOW FOLKS (1928)

  • LOVE OVERNIGHT (1928)

  • NED McCOBBS'S DAUGHTER (1928)

  • THE GODLESS GIRL (1929)

  • DYNAMITE (1929)

  • MADAME SATAN (1930)

  • THE SQUAW MAN (1931)

  • THE SIGN OF THE CROSS (1932)

MITCHELL LEISEN PRODUCTOR

  • REMEMBER THE NIGHT (1940)

  • THE LADY IS WILLING (1942)

  • TAKE A LETTER DARLING (1942)

  • NO TIME FOR LOVE (1943)

  • PRACTICALLY YOURS (1944)

  • KITTY (1945)

  • ROUND TRIP (1967)

MITCHELL LEISEN ACTOR

  • HOLLYWOOD ON PARADE (1933), sin acreditar, haciendo de él mismo

  • MURDER AT THE VANITIES (1934), sin acreditar, director de orquesta

  • HOLD BACK THE DAWN (1941), en el papel de Mr. Saxon

  • VARIETY GIRL (1947), haciendo de él mismo

  • MISS TATLOCK'S MILLIONS (1948), haciendo de él mismo

MITCHELL LEISEN AYUDANTE DE DIRECTOR

  • DYNAMITE (1929)

  • MADAME SATAN (1930)

  • THE SQUAW MAN (1931)

  • THE SIGN OF THE CROSS (1932)

MITCHELL LEISEN SET

  • CONRAD IN THE QUEST OF HIS YOUTH (1920)

  • THE ROAD TO YESTERDAY (1925)

MITCHELL LEISEN PRODUCTION MANAGER

  • MIDSUMMER MADNESS (1920)

MITCHELL LEISEN TELEVISIÓN

  • THE GIRL FROM U.N.C.L.E. (1966), serie TV

  • THRILLER (1960), serie TV

  • BORIS KARLOFF THRILLER (1960), serie TV

  • ADVENTURES IN PARADISE (1959), serie TV

  • THE TWILIGHT ZONE (1959), serie TV 3 episodios

  • SHIRLEY TEMPLE'S STORY BOOK (1958), serie TV 1 episodio

  • THE SHIRLEY TEMPLE SHOW (1960), serie TV

  • WAGON TRAIN (1957), serie TV

MITCHELL LEISEN - FILMOGRAFÍA COMO DIRECTOR

  • CRADDLE SONG (1933)

  • DEATH TAKES A HOLIDAY (1934)

  • MURDER AT THE VANITIES (1934)

  • BEHOLD MY WIFE (1935)

  • FOUR HOURS TO KILL (1935)

  • HAND ACROSS THE TABLE (1935)

  • THE BIG BROADCAST OF 1937 (1936)

  • THIRTEEN HOURS BY AIR (1936)

  • EASY LIVING (1937)

  • SWING HIGH, SWING LOW (1938)

  • MIDNIGHT (1939)

  • ARISE MY LOVE (1940)

  • REMEMBER THE NIGHT (1940)

  • HOLD BACK THE DAWN (1941)

  • I WANTED WINGS (1941)

  • THE LADY IS WILLING (1942)

  • TAKE A LETTER DARLING (1942)

  • NO TIME FOR LOVE (1943)

  • RENCHMAN'S CREEK (1944)

  • LADY IN THE DARK (1944)

  • KITTY (1945)

  • MASQUERADE IN MEXICO (1945)

  • TO EACH HIS OWN (1946)

  • GOLDEN EARRINGS (1947)

  • SUDDENLY IT'S SPRING (1947)

  • DREAM GIRL (1948)

  • BRIDE OF VENGEANCE (1949)

  • SONG OF SURRENDER (1949)

  • NO MAN OF HER OWN (1949)

  • CAPTAIN CAREY, U.S.A. (1950)

  • THE MATING SEASON (1951)

  • DARLING, HOW COULD YOU (1951)

  • YOUNG MAN WITH IDEAS (1952)

  • TONIGHT WE SING (1953)

  • BEDEVILLED (1955)

  • THE GIRL MOST LIKELY (1957)

  • SPREE (1967)

MIS PELÍCULAS FAVORITAS DE LEISEN

"DEATH TAKES A HOLIDAY" (1934)
Cansada de su mala fama entre los mortales, la muerte se materializa en la tierra para investigar por qué la temen tanto. Permanece tres días de vacaciones en la casa de campo de una familia italiana y durante ese tiempo nadie morirá en el mundo.

La melancólica primera aparición de la muerte encarnada en un elegante y refinado caballero otoñal que está representado por Frederic March. Hermosísima y extraña comedia romántico-sobrenatural basada en una popular obra de teatro de Maxwell Anderson, cuya atmósfera de irreal tristeza y sutilísimo sentido del humor justifica el prestigio de este gran cineasta como realizador exquisito de todo tipo de argumentos.

En España se llamó: "La muerte de vacaciones" y dicen que favorita de Jardiel Poncela.

"FOUR HOURS TO KILL" (1935)
En la Paramount y conocida en España como, "Compás de espera", un memorable melodrama de intriga con el guión de Norman Krasna en el que un delincuente refugiado en un teatro sirve como el pretexto indicado para mostrar una serie de historias paralelas. Maravillosa fotografía de Theodor Sparkuhl. Todo funciona a la perfección: el aspecto de estricto suspense con una graduación de intensidad dramática pocas veces conseguida y toda la envoltura melodramática hacen de la película un reloj cinematográfico. Estupendo reparto de actores: Richard Barthelmess, Gertrude Michael, Ray Milland, Joe Morrison, Helen Mack y Roscoe Karns... Leisen y su manejo de actores es insuperable.

"HAND ACROSS THE TABLE" (1935)
Paramount Pictures. "Candidata a millonaria" en España. Memorable comedia que demuestra cómo con los mínimos elementos se pueden alcanzar los máximos resultados. Un arquetípico y socorrido argumento es la base de un juego sutil e inteligente, en el que la brillantez no resulta gratuita. Carole Lombard es una manicura dedicada por completo a casarse con un hombre rico a toda costa, que es Fred McMurray. Pobres hombres.

"I WANTED WINGS" (1941)
Los destinos de tres hombres alistados en las Fuerzas Aéreas como base. Y Veronica Lake, claro. La gran espectacularidad de las escenas aereas le hicieron ganar un Oscar que también debería haberse llevado la fotografía de Leo Tover y la bonita música de Victor Young. Paramount Pictures.

"HOLD BACK THE DAWN" (1941)
Llamada en España "Si no amaneciera". Con guión de Charles Brackett y Billy Wilder, este melodrama clásico es uno de los momentos cumbres de Leisen; la perfecta dosificación de sus elementos desde los estrictamente coyunturales hasta los emotivos la convierten en uno de los títulos más destacados del cine norteamericano de los años 40. Punto de conexión con ese título mítico, "Casablanca", y para mí que gana Leisen.

"DREAM GIRL" (1948)
Adaptación de una obra teatral de Elmer Rice que es una versión en femenino de aquel título de Danny Kaye: "La vida secreta de Water Mitty". Leisen le saca todo el encanto a un material de infinitas posibilidades y a Betty Hutton, rubia platino. El guión de Arthur Sheekman funciona, pero es Leisen el que lo convierte en una ensoñación. En la música repite Victor Young, que aperece en varios de estos títulos.

"EASY LIVING" (1937)
"Una chica afortunada" en España, en donde se estrenó en 1945, prohibida por la dictadura. Según un argumento de Preston Sturges y una comedia sublime mal que le pese a Billy Wilder. Obra maestra que explota la fórmula Alta Comedia + Slapstick inventada por Leisen y no por ningún otro. Reparto único: Jean Arthur, Ray Milland, William Demarest, Franklin Pangborn, Edward Arnold. La leyenda dice que fue una idea de la escritora Vera Caspary. Leisen se toma la libertad de situar el diálogo entre Jean Arthur (comediante sublime) y Ray Milland no en una puerta, sino en uno de esos Automát., para crear la secuencia magistral que ha hecho inolvidable a esta película. Una ingeniosa, espléndida construcción donde una disparatada, enrevesada intriga se desplegó con la más impecable de las lógicas y tanto los excesos del capitalismo como la ingenuidad del proletariado -no olvidemos que estamos en la América de la Depresión-, se ponen en solfa entre situaciones y diálogos de supremo ingenio. La fotografía de Ted Tetzlaff y la música de Boris Morros completan el círculo. Ejemplos de la maestría de Leisen: La escena de amor con Arthur y Milland yacentes en un enorme sofá, solo que tumbados en sentido opuesto con las cabezas juntas en el centro. Según Leisen, era el único medio de filmar la escena sin que la cortase la censura. Lubitsch, amigo de Leisen, no desaprobaría esa pequeña estratagema. Una película sentimental y enloquecida.

"GOLDEN EARRINGS" (1947)
En España, "En las rayas de la mano". Una adaptación de una novela de Yolanda Foldes que plantea una intriga de espionaje casi imposible, de atmósfera insensata. El guión es de Abraham Polonsky, Frank Butler y Helen Deutsch y la fotografía es de Daniel L. Fapp. Pero sobre todo es la pareja protagonista la que destaca: Marlene Dietrich, como la gitana Lydia, y Ray Milland. Solo por ellos y sus diálogos vale la pena.

"CAPTAIN CAREY, U.S.A." (1950)
Un melodrama de intriga con una extraña magia y nostalgia. Terminada la guerra, un militar norteamericano regresa a Italia para descubrir al delator que provocó una matanza nazi. La canción de la película ganó un Oscar. Era "Mona Lisa", que Nat King Cole hizo famosa. Los secundarios de la película son increíbles... Wanda Hendrix, Joseph Calleia, Francis Lederer, Celia Lovsky, Russ Tamblyn, Alan Alda...

"THE MATING SEASON" (1951)
Una comedia estimable basada en una celebrada obra teatral de Caesar Dunn que cuenta con un guión preciso y un gran reparto en el que cada intérprete está en su papel. Hagámosle un monumento a la gran Thelma Ritter, esa llamada secundaria que se comía a los principales.

"TAKE A LETTER DARLING" (1942)
La guerra de los sexos en una comedia agradable que aún hoy en día es moderna en varios aspectos. Rosalind Russell hace una interpretación estupenda y, al lado de ella, ese secundario extraño: Robert Benchley. Destaca la foto de John L. Mescall. Todas las oficinas del mundo deberían de ser como las que salen en esta película y de la música se encarga Victor Young.